nominacje

"Muzyka Skalnego Podhala. Podręcznik do nauki muzyki góralskiej" Krzysztof Trebunia-Tutka

Aleksandra Toborowicz

"Podręcznik przygotowany przez Krzysztofa Trebunię-Tutkę to pierwsze w Polsce tak kompleksowe wydawnictwo poświęcone muzyce góralskiej. Składają się na nie 3 tomy: „Garść teorii”, „Zapis palcowy” i „Zapis nutowy” oraz nagrania, z którymi osoby pragnące zgłębić tajniki muzyki góralskiej powinny się osłuchiwać. Jest to też swoista antologia najważniejszych i najpiękniejszych melodii i śpiewek góralskich, nieraz już zapomnianych bądź rzadko wykonywanych." – PWM O PROJEKCIE: Koncepcja graficzna Celem oprawy graficznej było przełożenie zrębów tradycji góralskich na nowoczesną myśl projektową. Projektowym priorytetem było ukazanie „ducha polskich gór” i energii muzyki góralskiej. Koncepcja jest opowieścią splecioną z kilku wątków, które się zazębiają i współgrają z treścią na różnych poziomach. Grafika na okładkach nawiązuje do widoku horyzontu górskiego i rejestracji dźwięku (zapis ścieżki dźwiękowej w programie do edycji muzyki). Stanowi też złudzenie optyczne odbicia w wodzie (nawiązanie do jezior górskich, w których góry „się przeglądają”), jak również odbicie zapisów: nutowego i palcowego, które są przedstawieniem tej samej treści w dwóch różnych formach. Typografia umieszczona w poziomie dopowiada podział odbicia i wzmacnia grę skojarzeń. Obraz okładki jest żywy, wyrazisty. Silnie kontrastowe zestawienie intensywnej zieleni i głębokiej czerni uwypukla emocjonalność i energię muzyki góralskiej. W tomach 2 i 3 zastosowano inwersję kolorów, w tomie 1 (teoretycznym) zastosowano formę szkicu / rysunku / zarysu – w celu odróżnienia go od materiałów do praktycznej nauki gry. Zabieg taki pozwala pośrednio nawiązać do zarysu teorii właśnie. Elastyczna guma opasająca trzytomowe wydawnictwo wywołuje skojarzenia z pionową linią („skalą” – znacznikiem) w programie do przetwarzania dźwięku. Czerwone akcenty kolorystyczne: nici, wyklejka oraz gumka kontrastują z zielenią i czernią okładek, są dodatkową porcją energii. Zastosowanie surowego płótna, o mocnym splocie i czerwonych nici stanowi nawiązanie do tradycyjnych góralskich strojów. Publikacja jest otwierana „na płasko”, co zapewnia komfort korzystania z poszczególnych tomów podczas wykonywania muzyki. projekt i skład: Aleksandra Toborowicz klient: Polskie Wydawnictwo Muzyczne kroje pisma: GT Sectra rok: 2019–2021 druk: Drukarnia Petit format: 23,5 cm x 30,5 cm liczba stron: tom 1: 88, tom 2: 344, tom 3: 300 okładka : płótno 73250 Brillance, sitodruk wyklejka: Antalis Pop Set Ultra Red 120 g/m2; papier środek: Alto Naturel vol. 1,5, 100 g/m2; zadruk środek : tom 1: offset 5+5 (186 U Pantone + CMYK), tom 2 & 3: offset 2+2 (black + Pantone 583 U) nakład : 1000 oprawa szyto-klejona czerwone nici czerwona elastyczna obwoluta – gumka redaktorka prowadząca: Paulina Bieniek

#Proj. dla int. publicznych 

"Pantera Adela i Ekoferajna"

Kasia Walentynowicz

Pantera Adela i jej przyjaciele podsuwają sobie pomysły, jak w prosty i przyjemny sposób dbać o planetę. Żeby być eko-bohaterem, można na przykład rysować po obu stronach kartki, nosić fajne łaty na dziurach w spodniach albo wymieniać się zabawkami z koleżankami i kolegami! Można też POMÓC PRZEDMIOTOM: wyleczyć kran z kataru, dać się zdrzemnąć żarówce pod naszą nieobecność lub pozwolić przeczytanej książce przeżyć przygodę w innym domu. Książka kartonowa dla najmłodszych czytelników, baaardzo kolorowa, pełna rymów i humoru, przy której można spędzić radosny czas z dzieckiem. Bo czemu by nie rymować i dobrze się bawić przy ważnych tematach? Spotkanie z Ekoferajną to idealny sposób, by pokazać dzieciom, że: • ekologia to też proste, codzienne czynności, • każdy może działać na rzecz przyrody, nawet dziecko, • ludzie są częścią świata i każdy jest odpowiedzialny za dobrostan planety. Książka w przystępny sposób wyjaśnia, co tak naprawdę jest istotą ekologicznego stylu życia i zachęca najmłodszych do praktykowania go na co dzień. Dzięki grubszym stronom z kartonu, jest wytrzymała, a w odpowiednim momencie będzie można ją przekazać dalej, jak radzi ośmiornica Pola. Książka pod patronatem Polskiego Stowarzyszenia Zero Waste i Fundacji Eko-Rozwój. wydawnictwo: Wydawnictwo Widnokrąg koncepcja: Kasia Walentynowicz, Paweł F. Majka tekst: Paweł F. Majka ilustracje: Kasia Walentynowicz projekt: Beata Danowska

#Proj. przyjazne środowisku 

Grafika nagrodzonego

"Z wizytą w wodzie (...)" i "Z wizytą w lesie (...)", gry memory

Kasia Walentynowicz

2 serie edukacyjnych gier memory dedykowane gatunkom zwierząt, roślin i grzybów będących pod ochroną w Polsce. Zarówno pudełka, jak i karty, wydrukowane zostały na papierze typu kraft – niebielonym, niewygładzonym, nielakierowanym, wykonanym z mieszanki włókien pierwotnych i tych pochodzących z recyklingu. Papier nadający się do recyklingu. Usztywnienia pudełek powstały z odpadów papieru. Gry mają na celu zwiększenie świadomości ekologicznej dzieci podczas wspólnej zabawy. Gry prezentują nie tylko znane powszechnie zwięrzęta chronione, ale też te mniej znane grzyby i rośliny – seria "Z wizytą w wodzie" obejmuje środowiska wodne, a "Z wizyta w lesie" - leśne. Do gier załączony jest składany miniplakat – po jednej stronie zawiera informacje o danych gatunkach, a po drugiej kolorowankę przedstawiającą prezentowane w grach gatunki. Można ją pokolorować, oprawić w ramkę i powiesić na ścianie jak plakat. Którą kozę zew natury przywołał pod wodę, na rzeczne dno? Czy pływak i pływacz spotykają się przy wspólnym stole? Poznaj objęte ochroną gatunki zwierząt i roślin, które zamieszkują polskie wody. Czy paszkot to dziki kot? Czy szmaciak i obuwik, które możesz spotkać w leśnym runie, to porzucone przez roztargnionego grzybiarza kalosze? Poznaj objęte ochroną gatunki zwierząt, roślin i grzybów, które zamieszkują polskie lasy. wiek graczy: 3+. projekt, wydawca: Katarzyna Walentynowicz / teksty: Paulina Kaucz / wsparcie merytoryczne: Marta Walentynowicz / zdjęcia: Piżmak Studio

#Proj. przyjazne środowisku 

„Independent Type”, czyli niezależne projektowanie krojów pism. Projekt antykwy dziełowej Szykovnia Sans.

Katarzyna Szykowna

Projekt wyróżnia się holistycznym podejściem, bo integruje badania w obszarze moich zainteresowań projektowych z krojem pisma, który jest rezultatem projektowym i medium przekazującym treść książki. Część merytoryczna – badania Punktem wyjścia do pracy/badań jest książka „Support Independent Type” M. Misiaka i L. Harmsena, wraz z manifestem Independent Type Foundries, dotyczącym globalnego zjawiska zakładania niezależnych działalności skupionych na literach, podejmujących walkę o ich wspieranie. Zbadałam sytuację niezależnych projektantów krojów pisma w˙ujęciu rynkowym – ale związanych z Polską, zadając pytania 13 projektantom w wywiadach. Manifest był pretekstem do rozmów, ale zadawałam pytania indywidualne, oraz dotyczące warstwy kreatywnej, technicznej, biznesowej, projektowej. Dodatek do dyplomu – wydawnictwo Na bazie badań powstało wydawnictwo zawierające wypowiedzi projektantów oraz materiał wizualny z ich dorobkiem. Trwają prace nad wydaniem książki (w wersji rozszerzonej). Dostarczy ona wiele informacji osobom wkraczającym do zawodu type designera, pasjonatom, oraz projektantom graficznym. Projekt jest formą ich wsparcia (nie znajdziemy na polskim rynku książki o ww. tematyce). Format książki: 190x275mm, w liczbie 146 s., (obecnie B5, 240 s.). Praca praktyczna – krój pisma Bezszeryfowa antykwa humanistyczna o neutralnym charakterze i przyjaznym tonie. Krój dziełowy ww. publikacji. Prowadzi on odbiorcę nie narzucając swojej formy, przejrzyście i czytelnie przekazując treść. Nadaje się do zastosowania w materiałach graficznych, oraz w długich tekstach o zróżnicowanej strukturze – w druku, i na ekranie. Proporcje liter – o dużej wys. minuskuły, niski kontrast zwiększają czytelność, a otwarte apertury dodają przyjazności. Posiada trzy odmiany ze znakami skryptu Łacińskiego – w tym europejskie znaki diakrytyczne, ligatury, znaki alternatywne oraz symbole. Podczas pracy font został przetestowany przez 4 projektantów. Trwają prace nad rozbudową kroju o nowe odmiany. Krój zostanie zastosowany również, w przyszłej identyfikacji studia projektowego – Szykovnia. Będzie on udostępniony szerokiemu odbiorcy.

#Świeża krew 

„Rękopis z pudła”: skazani przepisują powieść bestsellerowego autora

Grupa Projektor

Akcja społeczna zainicjowana w maju 2021 roku przez Fundację Zmiana wraz z popularnym pisarzem kryminałów Wojciechem Chmielarzem i Wydawnictwem Marginesy. Celem akcji była pomoc w resocjalizacji skazanych oraz zebranie funduszy na działalność statutową fundacji, tworzącej księgozbiory i biblioteki więzienne. W ramach akcji „Rękopis z pudła” kilkanaścioro skazanych przepisało najnowszy kryminał Chmielarza, pt.: „Wilkołak”. Oprawiony rękopis był dostępny przedpremierowo na aukcji, a zwycięzca licytacji mógł zapoznać się z treścią książki już na tydzień przed jej oficjalną premierą. Rękopisy zostały oprawione w kunsztowny sposób przy zachowaniu najlepszych tradycji sztuki bibliofilskiej. „Wilkołak” to pierwsza książka wydana w ramach projektu społecznego Fundacji Zmiana “Rękopis z pudła”. Wiele badań wskazuje na to, że przepisywanie zwiększa zrozumienie tekstu, bo potrzebna jest do tego większa aktywność mózgu. Należy się wyciszyć, skupić i wnikliwie przeczytać treść, by nie popełnić błędu. To dużo intensywniejszy kontakt z książką niż czytanie, a już samo czytanie ma właściwości resocjalizacyjne. W ramach projektu „Rękopis z pudła” będą publikowane książki przepisane i zilustrowane przez więźniów. W ramach akcji powstało wideo propagujące akcję: https://www.youtube.com/watch?v=eJ-QOqIG2No seria grafik na potrzeby promocji w social mediach oraz specjalnie zaprojektowany futerał na rękopisy skazanych. Video case: https://www.youtube.com/watch?v=B0iWoB7JfqQ Copy&Art - NIENAUTNOWAK (Krzysztof Nienałtowski, Paweł Jan Nowak) Copy/account manager - Lila Nienałtowska Dizajn: Grupa Projektor Wykonanie książki: Marceli Printery

#Impakt społeczny 

116 111

Uniforma

Identyfikacja wizualna 116 111 - Telefonu Zaufania dla Dzieci i Młodzieży. Projekt powstał w ścisłej współpracy z psychologami z Fundacji Dajemy Dzieciom Siłę, a decyzje projektowe były w 100% podporządkowane właściwej komunikacji z dziećmi stającymi w obliczu najcięższych problemów: psychicznych, życiowych, rodzinnych, czy środowiskowych. Logo przedstawia uśmiechniętą twarz dziecka wychodzącą z mroku. Identyfikacja wizualna musiała jasno mówić: “rozumiemy Was i nie oceniamy”. Istotne było staranie się, by mówić językiem dzieci przechodzących trudny okres. Bez infantylizacji. Stąd rozedrgana typografia, nerwowe przekreślenia i niedbałe ilustracje kojarzące się z zapiskami na tyle zeszytu, lub w osobistym pamiętniku. W ramach projektu powstała identyfikacja wizualna, szablony plakatów, szablony social media i projekt strony internetowej.

#Impakt społeczny 

7. Festiwal Fotografii W Ramach Sopotu (7FFWRS)

Martyna Wędzicka-Obuchowicz

Identyfikacja 7. Festiwalu Fotografii W Ramach Sopotu to co roku nie lada wyzwanie. Wydarzenie jest organizowane przez Państwową Galerię Sztuki oraz Urząd Miasta Sopotu co wiąże się ze współpracą z różnorodnym zespołem na linii Instytucje Publiczne - artyści/fotografowie - kuratorzy i ja - projektant. Jest to jedno z najważniejszych wydarzeń roku w Sopocie, które poprzedzone jest zawsze kilkudniową rezydencją zaproszonych przez organizatorów fotografów aby zinterpretowali Sopot na swój sposób. Oprócz wystaw podczas festiwalu odbywają się warsztaty i spotkania z twórcami. Zakres projektu: - projekty outdoorowe (plakaty, kubiki, citylighty) - projekty na potrzeby promocji wydarzenia w social media i magazynach branżowych - projekt katalogu wystawowego - projekt elementów wayfindingu i elementów wystawienniczych - projekt pocztówek projekt graficzny / opieka artystyczna części graficznej: Martyna Wędzicka-Obuchowicz klient: Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie, Urząd Miasta Sopotu

#Proj. dla int. publicznych 

Abakanowicz – wszyscy jesteśmy strukturami włóknistymi

Yo Studio Marcin Markowski

Projekt katalogu Abakanowicz – wszyscy jesteśmy strukturami włóknistymi, w swoich rozwiązaniach formalnych jest próbą odniesienia się do twórczości artystki, a także tytułu wystawy, która odbyła się w Muzeum Narodowym w Poznaniu. I tak, w projekcie znajdziemy formy będące graficzną reprezentacją tytułowych struktur włóknistych. Między innymi, na okładce zastosowano ręcznie klejoną surową jutę. Dzieki takiemu rozwiązaniu, każdy egzemplarz ma nieco inną formę. Różnice wynikają z nieregularnej struktury materiału, który w sposób niebudzący wątpliwości związany jest z twórczością samej artystki.

#Forma 

Grafika zwycięzcy

Adapt Typeface

Antoni Kwiatkowski

Projekt bezszeryfowego, wariantywnego kroju pisma Adapt, bazujący na przestrzeni 3 osi: grubości, szerokości i kontrastu. Dzięki tak szerokiemu założeniu — 400 odmian statycznych, litery osiągają formy podobne do kroju szeryfowego, klasycznych liter bezszeryfowych oraz liter o odwróconym kontraście. Korzystając z kroju Variable™ projektant może płynnie przenosić się między odmianami szerokości i grubości oraz dopasowując rodzaj i nasilenie kontrastu. Wraz z krojem zostały zaprojektowane bazowe elementy komunikacyjne, promocyjne marki produktowej. Licencjacki projekt dyplomowy, Pracownia Projektowania Litery, Wydział Grafiki i Komunikacji Wizualnej, UAP prof. Krzysztof Kochnowicz, mgr Viktoriya Grabowska

#Świeża krew 

Adfectus - Projekt rodziny kroju pisma

Szymon Marciniak

Projekt rodziny kroju pisma, dla której wrażeniowość emocjonalna jest istotnym elementem podlegającym interpretacji w postaci form literniczych. Font „Adfectus” co do założenia ma za zadanie kierunkować decyzyjność doboru odpowiedniej odmiany do składu treści, mającej na celu wzbudzić emocjonalne odczucia. Pozostaje to podkreślone w nazwie kroju, gdzie słowo „Adfectus” w języku łacińskim oznacza emocje. Celem jest poszerzenie świadomości przy doborze odpowiedniego kroju, kierunkując zastosowanie. Rodzina kroju pisma zawiera 3 style: Szeryfowy, Bezszeryfowy oraz Display-owy. Każdy ze styli jest rozszerzony o odmiany grubości oraz zaprojektowane znaki diakrytyczne, zwiększając tym samym spektrum stosowania fontu. Dla stylu szeryfowego oraz bezszeryfowego zaprojektowane zostały również odmiany pochyłe, dla spełnienia zapotrzebowania funkcji wyróżnienia w składzie długich partii tekstu. To co charakteryzuje każdy ze styli to odmienne podejście do rysunku formy litery. Wszystkie style zostały zaprojektowane według tej samej linii duktu oraz usystematyzowanych proporcji wysokości poszczególnych liter. Font czerpie inspirację z historycznych krojów humanistycznych, co w szczególności widać w stylu szeryfowym. Wzmocnienie kontrastu oraz ostre niesymetryczne szeryfy, podkreślać będą poważny ton treści. Sam rysunek jest agresywny, a zarazem elegancki. W zależności od kontekstu użycia, będzie podkreślać zdecydowanie bardziej poważne intencje wyrażenia teksu. Odmiana display-owa staje w kontrze, gdyż odmienne w swojej konsystencji narzędzie jakim jest okrągły pędzel, w sposób synestetyczny wywoływać będzie w nas znacznie cieplejsze odczucia. W tym stylu ostre zakończenia linii pionowych zastępują zwieńczenia wykończone modulacją grubości końcówki pędzla. Zbliżający się ku neutralności styl bezszeryfowy charakteryzuje zbalansowany optycznie kontrast, funkcjonalną rozpiętość odmian sprawiając tym dobre efekty przy składzie treści. Konstrukcja liter zostaje powiązana wciąż z pozostałymi stylami, dzięki wytaliowanym zwieńczeniom linii pionowych, stając się tzw. „ukrytymi szeryfami”. Projekt wykonany w ramach dyplomu magisterskiego na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, pod kierownictwem prof. dr hab. Krzysztofa Kochnowicza, oraz mgr Viktorii Grabowskiej.

#Świeża krew 

Admind Culture Book

Admind

Admind Culture Book to wyjątkowa publikacja, która przybliża odbiorcom naszą historię, misję, kulturę organizacyjną, a także wartości marki. Przygotowaliśmy ją z myślą o dwóch grupach odbiorców. Z jednej strony Culture Book służy wszystkim osobom związanym z Admind, ponieważ gromadzi w jednym miejscu najważniejsze informacje na temat firmy. Praca nad nim pozwoliła nam uporządkować wiedzę o organizacji, zmapować elementy, których w niej brakuje, i dała bezcenną wiedzę o nas samych i o tym, jak nam się pracuje. Z drugiej strony stanowi on doskonałe narzędzie rekrutacyjne. Osoby potencjalnie zainteresowane dołączeniem do naszej firmy dowiedzą się, jacy ludzie w niej pracują i co jest dla nich ważne. Pozwoli im to ocenić, czy pasują do nas osobowościowo. Wyjątkowość naszej publikacji wynika z faktu, że jesteśmy zróżnicowani pod względem kulturowym – mamy siedziby w Polsce, Amsterdamie, Odessie i Bangkoku. W Culture Booku udało nam się wyeksponować tę różnorodność, a zarazem pokazać, że jako organizacja mówimy wspólnym głosem i wyznajemy te same wartości. Poza tym naszym zadaniem jako agencji brandingowej było dobre zaplanowanie dokumentu pod względem spójności, typografii czy możliwości rozwoju – wierzymy bowiem, że ta publikacja powinna ewoluować wraz z rozwojem firmy. Od samego początku pracy nad tym projektem towarzyszyło nam założenie, by każdy z członków naszego zespołu mógł się zaangażować w powstawanie Culture Booka. Podstawową i najbardziej spektakularną częścią publikacji są ilustracje, przygotowane przez projektantów ze wszystkich biur Admind. W efekcie powstała ponadstustronicowa książka pokazująca w pełni naszą różnorodność, wypełniona treścią, ilustracjami i dizajnem. Admind Culture Book to tak naprawdę nie jedna książka, ale spójny zestaw, na który składają się: główna publikacja (6_Admind_Culture Book.jpg) opisująca nas i nasze idee, Admind Insight (2_Admind_Culture Book_okladka i Insight.jpg), czyli Admind widziany oczami jego pracowników, oraz dwustronny plakat (7_Admind_Culture Book_plakat.jpg), który stanowi jednocześnie obwolutę całości. Dla wszystkich zainteresowanych, poza wersją drukowaną Culture Booka, dostępna jest również wersja interaktywna, którą sukcesywnie rozwijamy, dodając między innymi animowane wersje ilustracji: https://indd.adobe.com/view/2e653350-6b29-42e9-b3d4-c6590f7c949d

#Idea 

Bell Air. Leon Podsiadły

Grupa Projektor

Projekt graficzny albumu "Bell Air. Leon Podsiadły" Klient: Fundacja Art Transparent Format:205x275mm Oprawa: twarda, albumowa Katalog został podzielony merytorycznie na kilka części, każda z nich została wydzielona innym rodzajem papieru bądź pomniejszoną wkładką Katalog upamiętnia historię życia i twórczości wrocławskiego artysty Leona Podsiadłego. Jest także dokumentacją wystawy BEL AIR, która miała miejsce w 2017 roku we wrocławskiej galerii Mieszkanie Gepperta – przywołującej klimat pobytu rodziny Podsiadłych w Afryce. Album prezentuje m.in. fotografie, rzeźby i grafiki zainspirowane pobytem w Gwinei w latach 1965-1970, a także oryginalne rzeźby afrykańskie.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

Brutal Poland

Zupagrafika

Wieżowce w kształcie młotka, bloki z wielkiej płyty, latające spodki i betonowe monolity; te konstrukcje, wzniesione na powojennych zgliszczach, ukształtowały polskie miasta na nowo. Odkryj i zbuduj jedne z najbardziej intrygujących modernistycznych i brutalistycznych budynków, wzniesionych w czasach Polskiej Rzeczpospolitej Ludowej; od wszechobecnych blokowisk Warszawy po brutalną bryłę krakowskiego Hotelu Forum. Książkę otwierają ilustrowane fotografiami rozdziały opisujące historię i ciekawe fakty związane z powstaniem poszczególnych budynków. Druga część Brutal Poland zawiera dziewięć modeli, gotowych do wyjęcia z arkuszy i złożenia według prostych instrukcji; potrzebny Ci będzie tylko klej. Ten tom w twardej oprawie jest zbiorem ilustrowanych modeli z papieru stworzonych przez Zupagrafikę na przestrzeni ostatnich dziesięciu lat oraz obszernej dokumentacji fotograficznej polskiej powojennej architektury, zebranej przez Davida i Martynę. Pozycja została uzupełniona o nowe, niepublikowane fotografie i architektoniczne modele do składania. Wszystkie ilustracje przedstawiają oryginalne, dotknięte zębem czasu elewacje budynków sprzed termomodernizacji i eksponują takie elementy jak anteny satelitarne czy graffiti, dodane przez ich mieszkańców na przestrzeni lat. Zupagrafika dziękuje wszystkim mieszkańcom, którzy zgodzili sfotografować się z modelami na tle swoich domów.

#Idea 

BUNT/PODTEKST

Yo Studio Marcin Markowski

BUNT/PODTEKST. Dwutomowe wydawnictwo prezentujące dorobek obu katedr Wydziału Grafiki i Komunikacji Wizualnej Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu (grafika projektowa i grafika artystyczna) w założeniu swoim wskazywać miało na odrębność obu katedr przy jednoczesnym zaakcentowaniu wspólnego rodowodu. W projekcie użyte zostały jedynie kroje pism zaprojektowane w Pracowni Liternictwa prof. Krzysztofa Kochnowicza.

#Proj. dla int. publicznych 

Catalogue of Incunabula in the National Library of Poland

Aleksandra Toborowicz

Opublikowany w języku angielskim dwutomowy katalog inkunabułów Biblioteki Narodowej prezentuje, szóstą pod względem wielkości w Polsce, kolekcję piętnastowiecznych druków (1034 dzieła w 1131 egzemplarzach). Jej opracowanie wpisuje się w przedwojenną tradycję badań najstarszych zabytków drukarstwa. W katalogu zostały opracowane inkunabuły z ważnych kolekcji historycznych. Drugi tom katalogu posiada rozbudowany aparat naukowy, ułatwiający korzystanie z ponad tysiąca szczegółowych opisów katalogowych. O PROJEKCIE: Idea projektu nawiązuje do stylistyki pierwszych renesansowych druków i typografii – zarówno w doborze materiałów: eleganckiego ręcznie wytwarzanego papieru okładki oraz stron środka, poprzez nawiązanie do inicjałów, które są motywem przewodnim projektu, jak również oryginalny i rzadko spotykany dziś sposób zadruku tytułu na okładkach – wykonany w starodawnej technice druku typograficznego. Subtelne wytłoczenie renesansowej siatki layoutu w technice suchego tłoczenia dodaje projektowi elegancji oraz wzmacnia historyczne odniesienia. Użyty w publikacji font Adobe Jenson Pro również nawiązuje do pierwszych dziełowych krojów pisma wykutych w Wenecji przez Nicolasa Jensona około 1470 roku. Bordowy kolor elementów porządkujących publikację (inicjały wytłoczone na okładkach oraz głównych przekładkach) oraz akcentów (wyróżnienia ważniejszych sekcji, przypisy, odniesienia do przypisów) silnie kontrastuje z czernią body tekstu. Papier użyty do produkcji okładek Arches White 400 g/m2 jest najwyższej jakości produktem wykonanym w 100% z bawełny. Dzięki tradycyjnym metodom produkcji papier posiada szorstką i harmonijną teksturę, zbliżoną do papieru ręcznie wytwarzanego. Układ typograficzny również nawiązuje do rozwiązań historycznych z czasów inkunabułów. Największym wyzwaniem było zaprojektowanie layoutu – hierarchii i układu typograficznego skomplikowanego, specjalistycznego i wielowątkowego oraz bardzo obszernego materiału tekstowego przy jednoczesnym ograniczeniu liczby stron. klient: Biblioteka Narodowa rok wydania: 2020 SPECYFIKACJA oprawa: miękka, szyto-klejona typu otabind format: 168 x 240 mm liczba stron: 1080 (tom 1: 704, tom 2 : 392) kroje pisma : Adobe Jenson Pro, Incunables druk: Marceli Sp. z o.o., Warszawa nakład: 250 okładka: Arches White 400 g/m2; suchy tłok – linie, tekst tytułu – druk typograficzny papier środek: Munken Premium Cream 1.3, 90 g/m2 zadruk środek: 2+2 (black + Pantone 199 U) czerwone nici

#Forma 

Centrum Archiwistyki Społecznej

UVMW

Czym się zajmuje Centrum Archiwistyki Społecznej? Czym jest archiwistyka społeczna? Kto jest archiwistą społecznym? Po długich rozmowach zespołów Centrum i studia projektowego, niejednej burzy mózgów i wielu wypitych kubkach kawy udało się przełożyć misję instytucji na logo, które odpowiada na te wszystkie pytania. Rozpoczęcie naszej współpracy wynikało z tego, że Centrum jako instytucja, która przejęła część działań i narzędzi od swojego założyciela (Ośrodka KARTA), potrzebowało rebrandingu i zmiany sposobu komunikacji działań. Centrum Archiwistyki Społecznej powstało po to, aby działać na rzecz ruchu archiwistyki społecznej. Powstanie instytucji wzmacnia znaczenie archiwistyki społecznej – oddolnej, wynikającej z pasji potrzeby zapisywania historii. CAS dzieli się wiedzą, narzędziami, wspiera i inspiruje do działania inicjatywy z całej Polski. Odkrywa dla społeczeństwa fascynujący dorobek archiwów społecznych – tysiące nieznanych dotąd historii, zdjęć, dokumentów życia codziennego. Celem CAS jest rozbudzenie zainteresowania historią społeczną dla lepszego zrozumienia przeszłości i teraźniejszości. Nowy logotyp opowiada metaforycznie o misji instytucji i celach jej działalności. Projektując identyfikację, mieliśmy świadomość, że ma opowiadać tak o nowej instytucji, jak i całej dziedzinie - archiwistyce społecznej. Ujęliśmy to w logotypie, który jest także budulcem całej komunikacji graficznej. Ujęliśmy to też w kolorze, odwołując się do często wykorzystywanych przez archiwistów narzędzi - zakreślaczy, post-itów. Nowy logotyp Centrum Archiwistyki Społecznej opowiada metaforycznie o filozofii instytucji, o celach działalności centrum. Głównym elementem identyfikacji jest wieloznaczny symbol, z którego rozwija się system graficzny. Symbol to przede wszystkim element chmurki tekstowej (storytelling), dopięty do słów reprezentuje wszelkie zbiory słowa mówionego i pisanego. Reprezentuje również pinezkę (poszukiwanie, łączenie historii i jej uzupełnianie). Jest to również iskra, zapłon do efektywnego działania oraz światło, które CAS pomaga rzucać na wcześniej nieznane historie społeczne. System graficzny Centrum Archiwistyki Społecznej jest w swojej istocie otwarty, dynamiczny – tak jak zespół CAS oraz ich działania. Załączam element referencji, którą dostaliśmy kilka miesięcy po oddaniu projektu: Rozpoczęcie naszej współpracy wynikało z tego, że Centrum jako instytucja, która przejęła część działań i narzędzi od swojego założyciela (Ośrodka KARTA), potrzebowało rebrandingu i zmiany sposobu komunikacji działań. Studio w sposób niezwykle zaangażowany spełniło założenia naszej współpracy. Zespół grafików dużo czasu poświęcił na zrozumienie idei archiwistyki społecznej, rozmowy z pracownikami CAS oraz na moderowanie dyskusji, która uogólniała sens naszych działań. Zależało nam na wypracowaniu identyfikacji, która z powodzeniem będzie mogła działać przez lata. W zależności od potrzeb komunikacyjnych - zarówno w sposób bardzo dyskretny, a tam gdzie jest to wskazane - bardzo silny i wyrazisty, stawiając CAS obok silnych marek instytucji kultury w Polsce i zagranicą. Pozytywne recenzje identyfikacji po jej wdrożeniu, potwierdzają spełnienie tych założeń. System został zaprojektowany w taki sposób, aby mógł być w przyszłości twórczo rozwijany przez twórców podejmujących z nami współpracę.

#Proj. dla int. publicznych 

COFFEEPRO - Opakowania do kawy

ILLCAT.studio

Opakowania oraz etykiety nie mogą być jedynie dodatkiem, ładnym obrazkiem, w który ubrane zostają ziarna najwyższej jakości kawy. Funkcja oraz forma muszą iść ze sobą w parze. Dbając o środowisko naturalne chcemy aby opakowania oraz etykiety spełniały dodatkowe funkcje, zamiast trafiać od razu do kosza po spożyciu zawartości. Celem ma być zachęcenie odbiorców do spróbowania kawy z segmentu speciality. Papier oraz folia posiadają specjalne certyfikaty środowiskowe. Etykiety opakowań służą od teraz zarówno dla początkujących amatorów jak i zaawansowanych entuzjastów kawy. Otwierana etykieta (jedyna taka na rynku) zawiera szereg informacji dla ekspertów, które pomogą wybrać idealne ziarna dla siebie, np. region pochodzenia, plantację, wysokość uprawy, charakterystykę ziaren itd. Początkujący odbiorcy dostają natomiast narzędzia w postaci wizualnego odwzorowania grubości mielenia oraz miarki do samodzielnego złożenia, dzięki czemu będą mogli cieszyć się maksymalnym smakiem bez konieczności inwestowania w drogi sprzęt na samym początku swojej przygody ze speciality coffee. Etykieta zamiast do kosza trafi w ten sposób na domowe półki. Naklejki na tyle opakowania można wykorzystać powtórnie np. na puszkach kawowych wielorazowego użytku. Seria opakowań wykorzystuje kod kolorystyczny przypisany dla źródła pochodzenia ziaren kawy oraz metody parzenia. Opakowania koloru niebieskiego przeznaczone są do espresso, natomiast szare do metod alternatywnych. Odrywana etykieta może pełnić funkcję kolekcjonerską (uśmiech w stronę starych fanów marki, którzy zbierali poprzednie etykiety). Od tej pory etykieta oraz opakowanie rozłożone na części pierwsze nie trafiają do kosza, tylko dostają nową funkcję - odbiorca sam wybiera czy będzie to funkcja praktyczna, czy kolekcjonerska. Ograniczone zostało w tym przypadku generowanie dodatkowej ilości śmieci. Fani marki przyjeli ten pomysł bardzo otwarcie, chwaląc tego typu rozwiązania, które stoją ramię w ramię z filozofią brandu. Zmiany wizerunkowe zostały dostrzeżone od razu, wzbudzając dyskusję w social mediach oraz wśród baristów. Dzięki temu marka jest na dobrej drodze do powrotu do pierwszej ligi w swoim segmencie. Po trudnych czasach pandemicznych (zwłaszcza dla sektora gastronomicznego) podkreślone zostało nowe otwarcie.

#Proj. przyjazne środowisku 

Grafika zwycięzcy

Czas to miłość

Aleksander Znosko Studio

Plenerowa wystawa „Czas to miłość” zaprojektowana dla Mt 5,14 | Muzeum Jana Pawła II i Prymasa Wyszyńskiego. Głównym założeniem ekspozycji było stworzenie charakterystycznego i rzucającego się w oczy komunikatu wizualnego przy pomocy uniwersalnych i obiektywnych środków graficznych. Projekt ekspozycji obrazujący cytaty duchownego oraz jego kalendarium z jego życia, składał się z 9 standów wystawowych ustawionych w rzędzie, w sposób chronologiczny. Zastosowanie Neue Haas Grotesk w grubości Regular, jako jedynego kroju pisma w projekcie – miało na celu podkreślenie racjonalnych założeń projektowych. Cytaty prymasa przedstawione na planszach zostały zaprojektowane w oparciu o jedną, modularną siatkę graficzną. Istotnym założeniem typograficznym była ich dynamiczna i zmienna kompozycja, oparta o metrycznie wyliczone wcięcia akapitowe. Wyplotowana złotą folią typografia nadaje wystawie poważnego i eleganckiego charakteru. Gradientowe tło o opartowym charakterze, stanowi przeciwwagę do napisów, dodając całej ekspozycji lekkości wizualnej. Główna wystawa prezentowana była na Krakowskim Przedmieściu, natomiast jej suplement na Placu Bankowym w Warszawie. Dzięki temu prezentowane treści było łatwo dostępne dla wszystkich zainteresowanych. Uniwersalna i ponadczasowa forma przekazu wyróżniała się na tle przestrzeni miejskiej pełnej wizualnego chaosu.

#Proj. dla int. publicznych 

Duos Festival

Noviki Post Studio

Festiwal Sztuki i Edukacji DUOS czyli wymiana wiedzy i doświadczeń pomiędzy artystami ze Szczecina i kenijskiego hrabstwa Kilifi. Ideą festiwalu jest współpraca polskich i kenijskich artystów podczas realizacji wspólnych projektów. Artyści zaproszeni do udziału w Festiwalu reprezentują różne dyscypliny sztuki: malarstwo, rzeźbę, taniec, performans, muzykę, wzornictwo, modę, film, fotografię, architekturę, street art. Polsko-kenijskie DUOS (DUETY) pracują razem w Kilifi, w Kenii. W ciągu trzech tygodni muszą się poznać, zdefiniować i zrealizować wspólny projekt. Podczas pracy angażują do swoich przedsięwzięć lokalną społeczność, rzemieślników oraz studentów Pwani University. Każdy DUET ma swoje wydzielone miejsce do pracy: miejscową szkołę, uniwersytecką salę, ulicę, mur w dzielnicy Mnarani, pracownię lokalnego malarza. Dzięki temu ich działania są dostępne dla innych członków społeczności i widoczne dla szerszej publiczności, a postępy w pracy można obserwować dzień po dniu. Efekty tej niezwykłej 3-tygodniowej współpracy prezentowane są na ogólnodostępnym Festiwalu. Festiwal DUOS to 3-dniowe święto obejmujące kino plenerowe, koncerty, spektakle, gry i zabawy dla dzieci, wystawy, wycieczki z przewodnikiem i prezentacje pracowni. Identyfikację graficzna projektu, stronę internetową, projekty druków, ubrań, materiałów plastycznych, tekczek plastycznych dla dzieci tworzy studio Noviki

#Impakt społeczny 

ECF CAMERIMAGE / branding

TOFU Studio

W ramach zamkniętego konkursu dla Europejskiego Centrum Filmowego CAMERGIMAGE, przygotowaliśmy koncepcję brandingową opartą na prostym przetworzeniu formy ekranu, kadru powiązanych i określających od dawna festiwal CAMERIMAGE. Dodatkowo logo formą nawiązuje także do architektury. Znak wykorzystujący variable fonts ma celowo niezdefiniowaną i niejednoznaczną formę, z płynnie zmieniającą się perspektywą która daje dużo możliwości szczególnie w sferze filmu oraz animacji. Dodatkowo stwarza możliwość elastycznego i kreatywnego wykorzystania we wszelkiego rodzaju printach i materiałach 2D, nie zatracając zupełnie nic ze swojej tożsamości. Całość wspiera przygotowany także w oparciu o zmiany perspektywy Key Visual. Konkurs został finalnie nierozstrzygnięty.

#Forma 

EXPERYMENT / rebranding

TOFU Studio

Przygotowaliśmy całościowy rebranding dla Centrum Nauki EXPERYMENT.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

Extinction Claims

Gabriela Baka

Extinction Claims Identyfikacja wizualna do wystawy i związanych z nią wydarzeń  Opis projektu: Nasza planeta stoi w obliczu globalnego kryzysu wymierania, którego nigdy nie widziała ludzkość. Naukowcy przewidują, że w nadchodzących dziesięcioleciach ponad milion gatunków jest na drodze do wyginięcia. Jednym z głównych wyzwań w walce z masowym wymieraniem jest brak świadomości społecznej i sprawczości obywatelskiej. W tym projekcie artysta Paolo Cirio łączy koncepcję prawną „osobowości środowiskowej” z teorią prawną „prawa natury”, opierając się na sporach dotyczących zmian klimatycznych, ustawach o ekobójstwie i globalnych traktatach klimatycznych, aby zapewnić prawa i ochronę świata przyrody.  Cirio ma na celu prawne oskarżenie międzynarodowych koncernów naftowych, gazowych i węglowych, które celowo wyemitowały ponad 70% wszystkich gazów cieplarnianych, powodując rozległe szkody w ekosystemach Ziemi i gatunkach zależnych od nich w celu przetrwania, a wszystko to z zamiarem ukrycia swoich zbrodni dekady.  Kluczowe zestawienia danych przez Carbon Majors (https://climateaccountability.org/) pokazują, kto i w jakim stopniu jest odpowiedzialny za klimatyczne kryzysy. Na wykresach powiązane zostały dane z głównych firm naftowych, gazowych i węglowych, są one łączone z zagregowanymi danymi na temat masowych wymierań z Czerwonej Księgi IUCN (https://www.iucnredlist.org/), aby obliczyć, w jaki sposób świat przyrody jest ekonomicznie i prawnie uprawniony do odszkodowania od firm, które świadomie powodują zagładę gatunków i ekosystemów.  Dane dotyczące odszkodowań za poszczególne zagrożone gatunki są formatowane na potrzeby platformy internetowej z obrazami gatunków o atrakcyjnym wyglądzie. Integrując naukę, big data, projektowanie i tworzenie sztuki, Extinction Claims bezpośrednio angażuje opinię publiczną w zrozumienie skali i zakresu kryzysu wymierania, przed którym stoi nasza planeta.  Wystawa Extinction Claims jest współtworzona przez Baltan Laboratories w Eindhoven (https://www.baltanlaboratories.org/) i MediaMatic w Amsterdamie (https://www.mediamatic.net/).  Identyfikacja wizualna: Stworzony język graficzny jest prosty i plakatowy. Użycie grubego i skondensowanego fontu Formula Condensed wywołuje skojarzenia apletu, protestu. Krój swoją blokowatością nawiązuje do starych drewnianych trzcionek używanych w politycznych ulotkach. Odważna i krzycząca typografia została zestawiona z klasycznym, edytoryjnym Times New Roman, który dodaje powagi oraz zaufania do podawanych informacji.  Główną cechą identyfikacji jest kontrast i prostota, uwidocznione w użyciu czerni i bieli, cienkich lini oddzielających bloki tekstowe oraz wyborze fontów. Elementy te tworzą geometryczne, nabite informacjami widoki, które zostały zestawione ze zdjęciami zagrożonych gatunków zwierząt i roślin w ich naturalnym środowisku.  Aby podkreślić aspekt wymierania i ulotności życia w materiałach digitalowych została stworzona i zastosowana animacja, w której wizerunki zwierząt i roślin rozpadają się na małe ulatniające się kropeczki.  Zastosowany efekt mimo swej wizualnej atrakcyjności wzmaga poczucie pilności i reakcji na ten problem oddziałując emocjonalnie na widza. Na naszych oczach w dosadnych sloganach pojawiają się zamaskowane wizerunki zwierząt. Zabieg ten pomaga w połączeniu warstwy informacyjnej z emocjonalną. Typograficzne maski odsłaniają urocze zdjęcia, które na końcu zamieniają się w chmurę i zniknąć.   W skład stworzonych akcydensów wchodzą plakaty, materiały do social media, wykładów, zwiastuny do kina, torby, elementy do aranżacji wystawy oraz jej komunikacji.  Strona projektu: https://www.extinction-claims.com/ Stworzone z pomocą Łukasza Podolaka. 

#Impakt społeczny 

Grafika zwycięzcy

Gdynia Design Days 2021

Hardziej Studio

projekt: Patryk Hardziej i Ada Zielińska Hasło "Solidarni" ma bardzo różne konotacje. Dla nas ważne było aby jak najdalej odejść od tych politycznych, natomiast chcieliśmy zwrócić uwagę na treść festiwalu i po raz pierwszy mówić o tym czego będzie dotyczył, bez tworzenia sztucznej maski jaką jest dopracowany wizualnie key visual. Chcieliśmy osiągnąć kilka rzeczy – festiwal miał być tworzony demokratyczne przy aktywnym współudziale klienta. Dostarczyliśmy takich rozwiązań aby mógł sam tworzyć dowolne treści. Dodatkowo festiwal, który mówi o odpowiedzialności sam musi być odpowiedzialny. RESET dotyczył także strategii, organizatorzy opowiadają się za odpowiedzialnością klimatyczną le są przeciwni greenwashingowi i faktycznie chcieli zresetować festiwal, aby nie generował niepotrzebnych kosztów, odpadów i treści. ZREZYGNOWALIŚMY Z IDENTYFIKACJI WIZUALNEJ. To znaczy wyrzuciliśmy ile się dało. Pozostawiliśmy jedynie proste komunikaty zapisane Times New Romanem. Zrezygnowaliśmy z gadżetów na rzecz gadżetów cyfrowych: planerów, poradników, darmowego dostępu do płatnych treści. Wyszliśmy z inicjatywą porzucenia wszelkich fizycznych obiektów, których produkcja była niewspółmierna z efektami. Identyfikacja miała być prosta, tania i miała minimalnie oddziaływać na środowisko, bo nie można powiedzieć, że jakiekolwiek działanie brandingowe jest ekologiczne. Cały proces tworzenia identyfikacji był eksperymentem, w którym testowaliśmy z czego jeszcze możemy zrezygnować. Projekt zakładał stworzenie prostych szablonów w Wordzie, każdy uczestniczący w projekcie czy to klient, czy wolontariusz, czy projektant miał takie same możliwości tworzenia. Nagle zamiast grafiki ważny stał się copywriting i to co chcemy przekazać uczestnikom. Zupełnie zmieniła się komunikacja festiwalu. Komunikowane były twarde dane i informacje co możemy zrobić aby nasze wspólne działanie miało pozytywny wpływ na życie nasze i innych. Prawie w całości komunikacja przeszła ona do internetu, a materiały drukowane były produkowane z rozwagą i przy użyciu technologii mających najmniejszy wpływ na środowisko np farby wodne i sitodruk. Komunikaty w różnych miejscach nie były jedynie zareklamowaniem festiwalu, ale były także mikro-kampaniami. W transporcie publicznym mówiliśmy o jego plusach, a na citylightach wyświetlane były informacje o oszczędnościach w tej edycji.

#Idea 

GOOD LOOKING STUDIO - IDENTYFIKACJA

Super Super

Good Looking to doskonała jakość i artyści, za których pracą stoją lata doświadczenia oraz solidne fundamenty rzemiosła. Nowy branding Good Looking to nie dwuwymiarowe logo. Nowy branding Good Looking to język, którym żywi ludzie stojący za marką komunikują się ze swoim odbiorcą. Przeprowadzony przez nas audyt marki wykazał, że przy wdrożeniu nowego planu rozwoju studia istniejąca identyfikacja marki nie jest wystarczająco elastyczna, spójna i nie spełnia swojej pierwotnej funkcji. System komunikacji był na tyle zróżnicowany, że koniecznym było przeprowadzenie warsztatów wizerunkowych i namingowych, których efektem jest nowy system podziału kompetencji marki oraz charakterystyczny, spójny tone of voice brandu. Zadaliśmy sobie pytanie czy marka, która na codzień słyszy "make the logo bigger", i której osią działalności jest reprodukowanie wielkoformatowych reklam przepełnionych znakami towarowymi musi iść tą samą drogą i powielać klisze oraz strategie, którymi kierują się jej klienci? W naszej ocenie nie, dlatego podjęliśmy ryzykowną decyzję i zamiast projektować logotyp w formie znaku – sztywnego elementu graficznego o ustalonej i niezmiennej formie, zaprojektowaliśmy elastyczną identyfikację opratą o ideę "no-logo", unikając tym samym nadawania marce znamion komercyjnego produktu. Bohaterem nowej identyfikacji Good Looking nie jest logotyp. Jej bohaterem jest język, którym żywi ludzie stojący za marką komunikują się ze swoim odbiorcą. Stworzyliśmy brandingowe narzędzie, którego użycie w layoutach stanowi oś systemu identyfikacji wizualnej. Kolorowy pas ze zwielokrotnioną nazwą studia przybiera funkcję interaktywnego, elastycznego klucza wizualnego, który swoją formą i sposobem użycia nawiązuje do taśmy bezpieczeństwa, działania wałka malarskiego, a użyty w animacji może naśladować trajektorię ruchu pędzla podczas malowania muralu.

#Idea 

Healing Jokes

Jakub Pionty Jezierski

HEALING JOKES Memy odgrywają wyraźną rolę w proteście; wydają się być wobec dzisiejszego oporu tym, czym były „plakaty polityczne” wczoraj – ucieleśnieniem wspólnych idei w społeczności. — Metahaven: Can Jokes Bring Down Governments? Memes, Design and Politics, 2013 Prezentowane memy i transparenty są swoistą kroniką zdarzeń, od wyborów parlamentarnych w 2019 roku, przez Młodzieżowe Strajki Klimatyczne, protesty związane ograniczaniem praw kobiet, środowisk LGBT+ po pandemię 2020 roku. Wyabstrahowane, przeskalowane, umaterialnione, mają za zadanie sugestywniej “mikrodozować” swój wpływ. Wystawa jest próbą odpowiedzi na nasuwające się pytania: Czy memy mogą wpływać na wyniki wyborów parlamentarnych lub prezydenckich? Czy mogą być lepszym źródłem informacji niż media mainstreamowe? Czy mogą zrobić z nas antyszczepionkowców albo skłonić nas do działania? Czy mogą uratować świat przed katastrofą klimatyczną, zmniejszyć strach i apatię i czy mają w sobie leczniczą moc? Wystawa prezentowana była w ramach Poznań Design Festiwal 2021, 10-19.09.21

#Impakt społeczny 

Hearts Pub

Michał Markiewicz

Zakres projektu: Nazwa, Strategia, Logo, Identyfikacja wizualna, Ilustracja, Animacja, Strona internetowa Zespół: Naming & Strategy: Michał Markiewicz Art direction & Graphic Design: Michał Markiewicz Illustration & Animation: Kasia Olejarczyk Web Design: Kamila Figura Web Development: Sebastian Wojdakowski Project Photoshoot: Justyna Niwińska O Hearts Pub: Hearts Pub to pierwszy w Gliwicach pub gamingowy. Położony w pobliżu osiedla akademickiego lokal jest miejscem, w którym z dala od zgiełku można spotkać się ze znajomymi, zagrać w grę planszową lub pograć na konsoli. O Projekcie: Głównym celem projektu była odpowiedź na złożoną tożsamość marki. Z jednej strony Hearts Pub to tradycyjny pub w najbardziej dosłownym i klasycznym tego słowa znaczeniu. Z drugiej strony, równie istotnej, jest to pub gamingowy. Intencją było połączenie tych dwóch koncepcji, w jedną logiczną i spójną całość. To nie jest pub gamingowy, który wygląda jak tradycyjny pub. To nie jest tradycyjny pub, który wygląda jak pub gamingowy. To jedno i drugie. Odbiorca ma doświadczać obu tych cześci jednocześnie. Język wizualny zbudowany jest na zasadzie przenikania się kontrastujących elementów. Czy chodzi np. o firmowe liternictwo gdzie kaligraficzny serif krzyżuje się z geometrycznym monospacem, czy o ilustracje, gdzie odręczne rysunki uzupełniane są przez pixelowe retro ikony. Zasada ta jest stosowana na każdej płaszczyźnie systemu. Odbiorca zawsze będzie odbierał obie te kluczowe cechy jednocześnie. Kiedy myśli się o pikselach, glitchu, oldschoolowych grach, nowych grach, a z drugiej o tradycyjnym pubie, piwie, ciemnym drewnie, ciepłych wnętrzach, oczywistym jest zauważenie dużego kontrastu czy dysonansu. Celem naszego procesu, była próba udowodnienia, że w tym przypadku, mogą one razem współistnieć. www.hearts.pub O Projekcie strony internetowej: Strona ma za zadanie zaprosić klienta do gry jeszcze zanim oświetli go neon wnętrza pubu przy pierwszej wizycie. Wykorzystując motywy charakterystyczne dla gier online w połączeniu z pixelowym stylem użytkownik przy pierwszym spotkaniu z marką widzi, że nie trafił na tradycyjną stronę i że ma do czynienia z nietuzinkowym pubem. Fantazyjnie przemyślany i zaprojektowany branding Hearts Pub bawi go w każdej części pubu, dlatego też strona kontynuuje ten motyw. Jak w świecie Alicji, nie wiadomo od razu co kryje się po wejściu na stronę, musisz zaryzykować... zagrasz?

#Forma 

Grafika zwycięzcy

HELP – Aplikacja mobilna służąca udzielaniu pierwszej pomocy

Maria Smaga

Kiedy dochodzi do wypadku – na drodze, ulicy czy w domu – zazwyczaj nie dysponujemy obecnością lekarza. Skuteczność naszej pomocy zależy więc przede wszystkich od naszej wiedzy i szybkości reakcji. Aplikacja Help ma formę instruktażowej aplikacji mobilnej, która poprowadzi nas przez proces udzielania pierwszej pomocy. Jest przejrzystą i wiarygodną instrukcją, która nie wymaga naszej dodatkowej wiedzy i nadmiernego skupienia. Dzięki prostym komunikatom kolorystycznym – użyciu 3 kluczowych kolorów jako odzwierciedlenie 3 form pomocy – skierowanie użytkownika do celu odbywa się bez większego namysłu. Elementy interfejsu zostały maksymalnie powiększone i ułożone w przemyślanej hierarchii, by ułatwić ich rozpoznanie i użycie w każdych warunkach. Interakcja z produktem została ograniczona do niezbędnego minimum. Takie elementy jak formularze, powiadomienia czy dodatkowe funkcje zostały pominięte. Zbyt duża ilość informacji mogłaby przytłoczyć użytkownika i zniechęcić go do korzystania z aplikacji. Każdy element na ekranie ma więc swoją funkcję i nie ma miejsca na te, które jedynie uatrakcyjniają jego wygląd. Proces instruowania udzielania pomocy został uproszczony i rozłożony na wiele etapów łatwych do zrozumienia i ułożonych chronologicznie. Każdy kolejny ekran instrukcji to osobny etap, który należy wykonać, by efektywnie udzielić pomocy poszkodowanemu. Język poleceń pozbawiony jest żargonu i specjalistycznych terminów, by nie sprawiał problemów poznawczych. Ton poleceń sugeruje spokój i stanowczość, nie narażając odbiorcy na dodatkowy stres. Do aplikacji zostały wprowadzone ułatwienia takie jak dyktowanie głosowe, animacje, usługi lokalizacji oraz metronom. Ikony aplikacji przybrały standardową formę znanych nam od zawsze symboli, a każdy poszczególny element został zaprojektowany tak, by nie zostawiać miejsca na domysły odnośnie jego funkcji. Projekt aplikacji powstał we współpracy z wykwalifikowanym ratownikiem medycznym.

#Świeża krew 

Identyfikacja Czytelni Słów i Dźwięków „Elektra”

Tomek Głowacki

Szanowni Państwo, przedstawiam projekt identyfikacji Czytelni Słów i Dźwięków „Elektra” – nowopowstałego miejsca na literacko-muzycznej mapie Warszawy. Elektra powstała w duchu dawnych klubów międzynarodowej prasy i książki, jest miejscem łączącym w sobie funkcję salonu literackiego z klimatem niezależnego sklepu muzycznego. Królują tu papierowe książki i albumy, a także płyty winylowe i kasety. W ramach identyfikacji powstały m. in. takie elementy jak: – logo, nawiązujące swoją formą do klasycznych labeli płyt winylowych, – szablony plakatów, szablony grafik do mediów społecznościowych – naklejki do oznaczania stanu zbiorów – projekty stempli, projekty exlibris i exrecordis – instrukcje obsługi gramofonów „Elektra” jest czytelnią Mazowieckiego Instytutu Kultury.

#Proj. dla int. publicznych 

Identyfikacja wizualna 38. edycji Międzynarodowego Festiwalu Filmów Młodego Widza Ale Kino!

barrakuz

Chciałabym zaprezentować projekt KV 38. Międzynarodowego Festiwalu Młodego Widza Ale Kino! Jest to jednocześnie oprawa festiwalowa tegoż wydarzenia. Kilka słów o projekcie. Po pierwsze - odejście od multi szczegółowości poprzedniej identyfikacji, z zachowaniem pewnej powtarzalności, tym samym, mamy tu festiwal 'patrzenia', gdzie moją główną inspiracją były: - sztuka kolażu - surrealizm i wyobraźnia - Alexander Calder - jeden z głównych przedstawicieli sztuki kinetycznej. Tworzył malarstwo abstrakcyjne, barwną grafikę oraz słynne formy przestrzenne, przeważnie metalowe, najpierw statyczne, potem ruchome. Stąd nawiązanie do RUCHU. KINETYKI. PATRZENIA. BYCIA W CIĄGŁYM RUCHU, jak to mają dzieci w nawyku. :) Od patrzenia rozpoczyna się widzenie, od widzenia zaczyna się OBRAZ. Uchwycenie elementów będących w ruchu. Postawiłam na lekko uwypukloną propozycję, z wrażenia wielowymiarową, lekką, z niesamowitą możliwością do modyfikacji, gdzie każdy z elementów i oczy możemy zmiksować w nowy sposób. W ramach identyfikacji powstały również broszury i programy dla dorosłych i dzieci.

#Forma 

Identyfikacja wizualna charytatywnej aukcji "Refugees Welcome 2021" dla Fundacji Ocalenie i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.

deal design • studio

Deal design • studio po raz drugi odpowiedzialne było za projekt identyfikacji wizualnej dla charytatywnej aukcji sztuki “Refugees Welcome” organizowanej przez Fundację Ocalenie i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie. W roku 2021 położyliśmy nacisk na projekt, który będzie zróżnicowany, wyrazisty i pozwoli silniej oddziaływać w przestrzeni internetu. Zależało nam na budowaniu w polskim społeczeństwie pozytywnego przekazu dotyczącego tematyki uchodźczej w opozycji do narracji jaka obowiązuje aktualnie w dyskursie politycznym. Uważamy, że naszym obowiązkiem jako projektantek i projektantów jest aktywne zaangażowanie i praca na rzecz słabszych i wykluczonych! Zaprojektowaliśmy serię plakatów, katalog, animacje, elementy towarzyszące wystawie: broszurę informacyjną, wall text, metryczki, oraz elementy strony internetowej i grafiki do SM. typografia: Iskry, Kompan → Laic Type Foundry druk: sitodruk, druk cyfrowy nakład: 45 egzemplarzy rok: 2021 projekt dla: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Fundacja Ocalenie koncepcja i projekt graficzny: deal design • studio / Jan Diehl Michałowski, Jakub Olejnik, Martyna Rudnicka, Tomek Wróbel fot.: Martyna Rudnicka / Marta Ejsmont

#Impakt społeczny 

Identyfikacja wizualna festiwalu muzycznego "Good Vibe Festival" w Koszalinie

Joanna Fkr Chojnowska

Identyfikacja wizualna festiwalu Good Vibe Festival w Koszalinie. Projekt jest nową odsłoną identyfikacji festiwalu Good Vibe Festival. Głównym założeniem jest uwydatnienie charakteru wydarzenia i pozostawienie wizytówki miejsca, zachęcającej do poznania i odkrywania. Jego celem jest także wyróżnienie się w przestrzeni miejskiej w Koszalinie i zainteresowanie odbiorców. Zależało mi na przekazaniu sposobu organizacji. Całość prowadzona jest non profit przez ludzi kultury miasta, tworzona własnymi rękami, z misją edukacji kulturalnej mieszkańców i turystów Koszalina. Ważną cechą festiwalu jest różnorodność stylów muzycznych i publiczności. Również struktura festiwalu, rozdzielenie koncertów na cztery dni w czterech różnych miejscach jest istotna w analizie identyfikacji. Za środek przekazu wybrałam technikę kolażu, która łączy w sobie wszystkie założenia. Ostro wycięte kształty postaci to charakter “handmade” festiwalu. Mechaniczne połączenie oddzielnych zdjęć jest jak przeplatanie się różnych gatunków. Dorysowywane linie wprawiają całość w ruch, tworząc imitację żywego uczestniczenia w imprezie. Kontrastowe kolory wyróżniają się na tle innych wydarzeń w Koszalinie, a mocna typografia jest charakterystyczna i zapada w pamięć. Zastosowana forma identyfikacji miała na celu odwzorować ducha festiwalu Good Vibe Festival i dobrze reprezentować w porównaniu z innymi imprezami w Koszalinie.

#Świeża krew 

Integracja osób niewidzących i widzących. Projekt gry

Karolina Glanowska

Projekt gry planszowej integracyjnej pt. „Niewidzialna wyspa” jest próbą odpowiedzi na problem braku integracji pomiędzy osobami niewidzącymi i widzącymi. Wspólna rozgrywka umożliwia zmniejszenie stereotypów obu grup oraz przełamanie wzajemnych uprzedzeń. W skład projektu wchodzą: opracowanie mechaniki gry, instrukcji, modelu gry (pionki, plansze, artefakty itp.). Projektując „Niewidzialną wyspę” skupiono się na trzech aspektach. Pierwszy dotyczy czytelności i atrakcyjności gry pod względem dotykowym i wizualnym. Drugi skupia się na wyrównaniu statusu graczy poprzez zasłonięcie oczu przez wszystkie osoby podczas rozgrywki oraz wprowadzeniu elementów tyflograficznych i alfabetu Braille’a. Trzeci aspekt dotyczy zasad gry oraz jej regrywalności. W ramach procesu projektowego wykonano prototypy, które były kilkukrotnie testowane przez niewidzących i widzących użytkowników. Projekt był konsultowany z ekspertami zajmującymi się tworzeniem gier oraz projektantami zajmującymi się projektowaniem dla osób z dysfunkcjami wzroku.

#Świeża krew 

Kiwi Garden

Punkt Widzenia

Kiwi Garden – Coffee Roaster / Tea Selection to seria kaw i herbat z różnych regionów świata. Celem było stworzenie charakterystycznego, kolorowego i optymistycznego opakowania. Motywem przewodnim marki w naturalny sposób stały się ptaki. Użyliśmy tych samych geometrycznych kształtów i kolorów aby stworzyć inny wzór dla każdego z opakowań. Pozwoliło to jednocześnie zachować charakterystyczną linię graficzną i odróżnić opakowania. Każda ilustracja to ptak żyjący w danym regionie lub nasza artystyczna jego wizja : ) W tej chwili pod marką Kiwi Garden znajdziemy 15 kaw, 7 herbat, i czekoladę.

#Forma 

KOFIKADA

TOFU Studio

Dla palarni kawy KOFIKADA z Olsztyna przygotowaliśmy serię opakowań dedykowanych linii produktowej przypisanej skandynawskiemu sposobowi palenia kawy. Aby podkreślić nordycki charakter tych produktów, stworzyliśmy trzy postaci trolli, nadaliśmy im imiona oraz przygotowaliśmy dedykowane ilustracje, które zostały umieszczone na opakowaniach i wykorzystane w całej komunikacji. I tak KAWOSZ, SMAKOSZ i KONESER stali się bezpośrednimi ambasadorami kawy naszego Klienta.

#Forma 

Legenda Radmoru

Anita Wasik

Publikacja towarzysząca wystawie Legenda Radmoru w Muzeum Miasta Gdyni. Szata graficzna książki inspirowana jest estetyką sprzętów hi-fi i radiotelefonów produkowanych przez Zakłady Radiowe Radmor w Gdyni. Główne cechy projektu: – poziomy format wydawnictwa;
– tekturowe pudełko, które nawiązuje do opakowań sprzętu elektronicznego; – oklejka publikacji o strukturze młotkowanej stali, jak pierwsze produkowane przez Radmor radiotelefony; – infografiki nawiązują do różnych projektów wyświetlaczy i wskaźników i zegarów; – nagłówki nawiązują do tabliczek znamionowych i instrukcji obsługi; – symbole z obwodów elektrycznych pojawiają się jako integralne części layoutu (np. "wyłącznik" przy końcach rozdziału); – metaliczna kolorystyka. Każdy detal książki jest ukłonem w stronę radmorowskiego wzornictwa.

#Proj. dla int. publicznych 

Lipcowi. Twarze ofiar Obławy Augustowskiej

Łukasz Izert

Projekt graficzny i aranżacji wystawy plenerowej poświęconej poświęconej ofiarom Obławy Augustowskiej z lipca 1945 r.Wystawa „Lipcowi” to pierwsza od wielu lat okazja, by przejść przez bramę tzw. Domu Turka – dawnej siedziby oraz więzienia NKWD i UB, głównego ośrodka terroru komunistycznego w Augustowie oraz miejsca gdzie m. in. przetrzymywani byli Polacy schwytani w lipcu 1945 r. Wystawa opiera się na kolekcji zdjęć portretowych osób zamordowanych przez Sowietów w wyniku Obławy Augustowskiej. Fotografie – nawet jeśli są zniszczone lub w niskiej jakości – stanowią jedyny nośnik, dzięki któremu wizerunki ofiar zachowały się do naszych czasów. Dzięki zaawansowanym technikom rekonstrukcji cyfrowej i koloryzacji wystawa przywraca prawdziwe oblicza tych osób. Stając z nimi twarzą w twarz, można dostrzec rozmiar straty i skalę zbrodni, która w lipcu 1945 r. przerwała życiorysy odważnych młodych ludzi, pełnych pasji i planów na przyszłość.Od lipca 2021 r. „Dom Turka” jest własnością Instytutu Pileckiego, który planuje jego gruntowną renowację, poprzedzoną inwentaryzacją i badaniami archeologicznymi w poszukiwaniu wszelkich śladów po więźniach i ofiarach. W przyszłości zostanie tu otwarta wystawa stała, która upamiętni i opowie historię Obławy Augustowskiej na tle historii Augustowa i Suwalszczyzny w XX wieku.kurator: Bartosz Gralicki projekt: Łukasz Izert zdjęcia: Wojtek Kaszlej. Projekt został wykonany pod koniec sierpnia, ale z przyczyn organizacyjnych premiera odbyła się w październiku.

#Impakt społeczny 

Listny Cud

noou.design

BRIEF: Listny Cud to firma produkująca nowy superfood na rynku Polskim. Są to mikroliście, czyli druga po kiełkach faza wzrostu rośliny. Listny Cud potrzebował logo i identyfikacji wizualnej, która przedstawi polskiemu rynkowi ten innowacyjny przysmak. Marka chciała być postrzegana jako żywiołowa, wyrazista, na czasie i przyjazna. Grupą docelową są ludzie kochający jedzenie i gospodynie domowe dbające o zdrowie swoje i swojej rodziny, a także o środowisko. Mikroliście mają 6 razy więcej wartości odżywczych niż dorosła roślina. Produkowane są na farmach wertykalnych, które zużywają 90% mniej wody (!) niż tradycyjne rolnictwo. Są wytwarzane lokalnie, ich transport nie zajmuje długo i ma prawie zerowy ślad węglowy (w odróżnieniu od importowanych produktów z zagranicy). LOGO: Sygnet pokazuje to jak wygląda docelowy produkt. Będzie on sprzedawany w biodegradowalnych doniczkach, aliście będą we wczesnej fazie wzrostu. Kolor użyty w logo symbolizuje spektrum światła jakim naświetlane są roślinki w farmach wertykalnych. Jest to światło różowe, fioletowe. IDENTYFIKACJA: Koncepcja identyfikacji wizualnej i opakowań miała wyeliminować użycie plastiku i zminimalizować użycie elementów drukowanych. Zamiast plastikowych doniczek, mamy biodegradowalne. Zamiast foliowych opakowań, mamy ekologiczne papierowe owijki. Oznakowanie produktu bazuje na drewnianych patyczkach wetkniętych w doniczkę. Wizualnie koncepcja identyfikacji opiera się o bardzo szeroką gamę kolorystyczną, perfekcyjną fotografię produktową, oraz dobrze dobraną typografię. Kolory dodają żywiołowości, font nagłówkowy jest bardzo przyjazny i miękki dla oka. Do tego szczypta humoru zawarta w ilustracjach i efekt końcowy który, perfekcyjnie realizuje brief.

#Proj. przyjazne środowisku 

Merry Crisis

Mateusz Owczarek

Niepohamowana konsumpcja jest głównym czynnikiem, który wpływa na zmiany w środowisku naturalnym. Dla niektórych grup społecznych posiadanie jest wyznacznikiem wysokiego statusu społecznego. “Merry Crisis” to esej wizualny, za pomocą którego krytycznie odnoszę się do konsumpcjonizmu, przyglądając się jemu przez pryzmat Świąt Bożego Narodzenia. Problem ten jest ograniczany przez wiele osób do zakupów, w rzeczywistości jest bardzo złożony. Publikacja powstała z zrzutów ekranu filmików świątecznych, które w najlepszy sposób przedstawiają prawdziwość chwili. Książka przeznaczona jest dla szerokiej grupy odbiorców. Swoją zawartością ma zwrócić uwagę na to, jak wyglądają święta i nakłonić do refleksji, czy mogłyby wyglądać inaczej. Koncentrować się na wspólnym spędzaniu czasu i obdarowywania się swoją obecnością. Publikacja jest oparta na języku wizualnym, który ma skłaniać do zatrzymania i zastanowienia.

#Świeża krew 

Grafika nagrodzonego

Mikrogorzelnia

UVMW

Zadaniem studia było stworzenie identyfikacji wizualnej która podkreśli korzenie marki, to jak powstała i kto ją założył. Klient chciał dostać projekt świeży, niestandardowy, być może kontrowersyjny. Mamy do czynienia z produktem o najwyższej jakości, robionym w sposób rzemieślniczy. Identyfikacja oraz design opakowań musi iść z tą jakością w parze, ale bez powielania schematów. Mikrogorzelnia to nowa marka z segmentu alkoholi premium założona przez 12 przyjaciół. W identyfikacji chcieliśmy podkreślić zarówno oddolny, nieformalny charakter jej powstania, jak i wysoką jakość oferowanych produktów. Chcieliśmy wprowadzić na polski rynek trochę świeżego powietrza, zrobić projekt który nie będzie zachowawczy. Uniknąć myślenia o projekcie alkoholu premium w kontekście drogi = złoty, co niestety często jest pierwszym wyborem w tym segmencie alkoholi. Logotyp Mikrogorzelni metaforycznie przedstawia mit założycielski marki. Zaprojektowaliśmy formę, w której każdy z dwunastu wspólników reprezentowany jest przez cyfrę 1, ponieważ każdy z nich jest odmienną, wyjątkową osobowością, jednak tak samo ważną. W efekcie powstała dynamiczna forma, splot cyfr przypominający słońce, a jako jego fundament litera M. Litera M zawiera ponadto wcięcie przypominające kieliszek. Całość oparta jest o prosty w formie font grotesk. Pierwsze dwa produkty wprowadzone przez Mikrogorzelnię na rynek to wódka czysta żytnia oraz gin z polskich botaników. Podkreślając identyfikację wizualną marki, postanowiliśmy w designie opakowań połączyć czystą, prostą etykietę frontową, z psychodeliczną ilustracją wewnątrz butelki. Każdy z założycieli marki wybrał jeden z atrybutów, z których została zbudowana ilustracja towarzysząca wódce. Ilustracja dotycząca Ginu opowiada natomiast o składnikach, zawiera wizerunki wszystkich 11 polskich botaników użytych do stworzenia unikatowej receptury. Każda z etykiet jest ręcznie numerowana, zawiera dedykowany serii znaczek. Opakowania zawierają elementy tłoczone, lakierowane podkreślające charakter marki premium. Dla nas ważne jest to, że klienci marki wielokrotnie podkreślali, że mają do czynienia z świetnym designem (i to zarówno osoby z grup wiekowych 20-30 jak i 60+). Osoby recenzujące produkty Mikrogorzelni także podkreślały design, który w ich odbiorze był czymś świeżym i w Polsce niespotykanym. Czyli cel aby świetna jakość produktu szła z nietuzinkowym podejściem w sferze designu został spełniony

#Forma 

Muzeum Zabawek – identyfikacja wizualna

Podpunkt

Muzeum Zabawek to nowopowstająca instytucja na mapie Krakowa. Muzeum Zabawek prezentuje jedną z największych kolekcji classic toys na świecie, będzie również miejscem aktywności lokalnej. Identyfikacja wizualna ma dobrze reprezentować Muzeum na mapie najlepszych instytucji kulturalnych na świecie, ma przyciągać do Krakowa turystów z całego świata. Ważnym wyzwaniem przy tworzeniu tożsamości wizualnej był fakt, że nie jest to Muzeum jedynie dla dzieci. Dzieci są ważnym odbiorcą, ale nie jedynym. POMYSŁ Przeglądając muzealne zbiory naszą uwagę zwróciła kolekcja zabawek akordeonowych, których wspólną cechą jest ruchomy element – zazwyczaj harmonijka. Z jednej strony jest to bogata kolekcja wzorów, z drugiej jej mobilność i często zabawny / humorystyczny charakter wyrażają znakomicie założenia nowej instytucji. Pomysł inspirowany jest zabawkami tj. pies Slinky z lat 50-tych, czeskie zabawki Libuse Niklovej, czy słynny Jack-in-the-box. Zabawki akordeonowe zainspirowały nas do stworzenia responsywnej, swobodnej i lekko humorystyczne identyfikacji. Jest ona zarazem wyrazista i dynamiczna, ma wszystko by wyróżnić działania komunikacyjne instytucji tak w mediach drukowanych, jak i cyfrowych. Identyfikacja wizualna Muzeum Zabawek to też projekty ruchu (rozwijanie harmonijki, skoki), który mamy nadzieje będzie powszechnie obecny w działaniach komunikacyjnych Muzeum. Motyw harmonijki rozwija się i zwija w całej identyfikacji. Prosty w obsłudze, a jednocześnie dynamiczny i swobodny system łączy nostalgię świata dziecka ze współczesnym designem. Znak Muzeum przybiera różne, choć spójnie skonstruowane formy, tak by wyrazista była tożsamość instytucji. Jedna z wersji znaku obrazuje smoka wawelskiego, robiąc ukłon w stronę symbolu Krakowa. Znak występuje w pionie, poziomie, w wersji statycznej i animowanej. Animowana wersja znaku cieszy oko i wywołuje wśród odbiorców miłe reakcje. Harmonijka wplata się również w ilustracje, czy w motywy graficzne. Ale tożsamość Muzeum Zabawek to nie tylko świat ilustracji – jest tutaj również przestrzeń na fotografie historycznych obiektów. By prezentować je w nowoczesny sposób, połączone zostały z prostym liternictwem, intensywnymi kolorami i kropkami (motyw pochodzący z konstrukcji znaku, wykorzystywany również w ilustracjach). Tożsamość wizualna Muzeum jest dynamiczna i wyrazista. Ponieważ Muzeum kieruje swoją ofertę również dla dorosłych, projekt ma w sobie kanciastość i ostrość, typową dla historycznych zabawek. O projekcie pisali: – Magazyn PAGE, Niemcy – artykuł – Under Consideration – artykuł – Publikacja w sekcji Best of Behance – Top 10 August’s Branding wg Mindsparkle Mag i Future London Academy

#Idea 

NO DAMAGE, JUST FUN

Dawid Fik

No Damage, Just Fun to projekt opakowania na łuk i strzały przeznaczonych dla dzieci. Całość ma na celu przeniesie najmłodszych w magiczną krainę mistrzów łucznictwa. Otwierając opakowanie nie spodziewamy jaki świat przed nami odkryje – element zaskoczenia. Zakup zabawki, jest inicjowany przez dziecko, ale to rodzic/opiekun finalnie decyduje na podstawie informacji umieszczonych na opakowaniu – przejrzystość komunikatów. Przechowywanie zestawu łuczniczego (łuk + 4 strzały). Ponadto opakowanie podsiada walor edukacyjny w postaci zwrotów i opisów, umieszczonych wewnątrz opakowania oraz kod QR, który po zeskanowaniu przybliża nam kulturę rdzennych mieszkańców Ameryki i mistrzów łucznictwa. Do opakowania dołączona jest wkładka, która pozwala nam własnoręcznie wykonać kołczan i groty strzał, angażując przy tym młodszych i starszych. Całość posiada również pas, ułatwiający transport zabawki w opakowaniu, chroniąc przy tym zestaw przed uszkodzeniem – noszony jak kołczan. Materiały i technologia: tektura falista trójwarstwowa pas transportowy Sitodruk

#Świeża krew 

Grafika nagrodzonego

Nowe "święte" symbole

Natalia Gil

Projekt na temat duchowości, magii i tajemnicy w znakach graficznych. Wynikł z rozważań na temat „estetyki duchowości” i sposobu odbierania znaków-symboli. Skierowany jest do osób, które chciałyby korzystać z tej estetyki bez obciążenia bagażem ideologicznym. Nowe „święte” symbole zostały stworzone na dwa sposoby. Pierwszy z nich oparty jest na subiektywnych odczuciach i wrażliwości. Drugi sposób zakładał ścisłą współpracę z programistą – specjalistą od sztucznej inteligencji. Na podstawie 2000 zebranych znaków symboli stworzył on algorytm generujący nowe znaki. Wykorzystanie komputera miało na celu pokazanie i porównanie podejścia bardziej obiektywnego oraz możliwości, jakie daje nowa technologia używana jako narzędzie projektowe oraz badawcze w sztukach plastycznych. Znaki przestawione są w różnorodnych kontekstach podkreślających ich duchowy charakter – na ciele, muralach, tkaninach. Zdjęcia tatuaży, murali oraz grafiki z użyciem zaprojektowanych dwunastu symboli zawarte są w formie publikacji w zestawieniu ze znakami wygenerowanymi przez sieć neuronową. Dodatkowym elementem jest specjalnie zaprojektowany alfabet asemiczny, który dopełnia wrażenia „świętej księgi”, będącej polem do „wypełnienia treścią”. Publikację uzupełniają dwa podobne dywany podkreślające dwutorowość projektu – jeden ze znakiem zaprojektowanym przez człowieka, drugi ze znakiem zaprojektowanym przez sztuczną inteligencję.

#Świeża krew 

Okolica — esej wizualny o Krakowie i akcja społeczna

Kacper Greń

Celem mojego projektu było wskazanie na to, że otaczająca nas na co dzień przestrzeń jest warta uwagi i kryje w sobie wiele do odkrycia. Jednocześnie miałem w zamyśle pokazanie zjawisk zachodzących szczególnie w dzisiejszym Krakowie, a zarazem w wielu innych atrakcyjnych turystycznie miastach świata. Poza tymi dwoma aspektami uwzględniłem zagadnienie miniaktywizmu miejskiego — możliwości wyrażenia swoich odczuć czy zdania na temat tego, co dzieje się wokół nas. Chodziło o zwrócenie uwagi na to, że wszyscy możemy zabierać głos na temat tego, jakie są kierunki rozwoju naszego miejsca zamieszkania oraz o zaproponowanie mininarzędzi służących tej sprawie. Obszarem Krakowa, na którym się skupiłem jest Dzielnica I — w jej granicach szukałem miejsc niezgentryfikowanych i miastotwórczych. To właśnie je uznałem, za szczególnie wartościowe, biorąc pod uwagę fakt, że z roku na rok jest ich coraz mniej. Każde z nich dokumentowałem z pomocą fotografii. Efektem pracy jest książka — esej wizualny — wraz z insertami: obwolutą-mapą, ulotką-plakatem oraz zestawem plakatów i naklejkami. Taki zestaw, bądź jego elementy, mogą być dystrybuowane przez księgarnie, muzea, galerie sztuki, kawiarnie, bary, punkty informacji miejskiej, a także przez osoby prywatne czy aktywistów miejskich. Projekt powstał w ramach pracy licencjackiej realizowanej w semestrze zimowym roku akademickiego 2020/21 na Wydziale Form Przemysłowych krakowskiej ASP pod okiem dr hab. Anny Myczkowskiej-Szczerskiej. Obrona odbyła się 26 lutego 2021 roku.

#Świeża krew 

Ondinata: Pieśni dla Ondyny

Karol Tomoki Yamazaki

Charytatywny projekt muzyczny mający na celu wsparcie badań nad lekiem na CCHS oraz szerzenie świadomości o chorobie. CCHS, zwane również klątwą Ondyny, to rzadka, genetycznie uwarunkowana, potencjalnie śmiertelna choroba. Podstawowym objawem zespołu jest niewydolność oddechowa, przede wszystkim podczas snu. Pacjenci z CCHS wymagają dożywotniego wspomagania oddechu. ZAKRES Odpowiadałem za naming, branding, oprawę graficzną albumu w wersji CD, skład książeczek wchodzących w jego skład, wersji cyfrowych albumu, a także projekt UX i graficzny strony internetowej. INSPIRACJA Inspiracją dla projektu graficznego była mistyczna ikonografia europejskich mitologii, surrealizm świata snu, a także estetyka odręcznych ilustracji w XIX-wiecznych powieściach. Noc jest miejscem ukojenia, ale potrafi być też nieprzenikniona, tajemnicza, niebezpieczna. Największym wyzwaniem projektowym okazało się dla mnie uchwycenie tej wieloznaczności i znalezienie równowagi między dwiema przeciwnościami: wagą tematu, tajemnicą i niesłychanym wyzwaniem, jakim jest CCHS zarówno dla chorujących, jak i ich bliskich – a z drugiej strony kojącej natury głębokiego, niezakłóconego niczym, spokojnego snu. ALBUM Dwupłytowy album CD zawiera książeczki w wersji polskiej i angielskiej, zawierające esej Joanny Bator, teksty piosenek, a także autorski tekst założycieli Fundacji, spajający muzykę z osobistymi doświadczeniami rodziców dziecka z CCHS. Dzięki specjalnemu wykrojnikowi, opakowanie jest złożone bez użycia kleju, co czyni je łatwiejszym w produkcji i bardziej przyjaznym środowisku, a także nadaje unikalnego, rękodzielniczego charakteru. Papier użyty w książeczkach pochodzi w 100% z recyklingu. STRONA WWW Strona WWW zawiera komplet informacji dotyczących projektu – biogramy artystów, informacje o dostępnych do kupienia edycjach albumu itp. – a także biogramy dzieci będących podopiecznymi Fundacji, informacje o chorobie i o stanach badań, etc. Minimalistyczne, animowane intro na stronie służy za krótkie wprowadzenie do tematu projektu i natury choroby. Centralną częścią strony jest odtwarzacz audio, umożliwający jednoczesne słuchanie próbek utworów i przeglądanie strony bez przerywania ich w trakcie. Pełny opis projektu i procesu pracy pod załączonym linkiem na Behance.

#Impakt społeczny 

Grafika zwycięzcy

Planeta Lem – identyfikacja wizualna

Baka / Podolak

Identyfikacja wizualna Planeta Lem.Centrum Literatury i Języka Planeta Lem to nowe centrum, poświęcone twórczości Stanisława Lema, które w najbliższych latach powstanie w Krakowie. W swoich książkach pisarz zgłębia tematy filozoficzne, spekulując na temat technologii, natury inteligencji i życia na innych planetach. Przy pomocy ponadczasowych diagnoz pisarza, współczesnej naukowej refleksji nad językiem i komunikacją, Planeta Lem przyczyni się do budowy społeczeństwa otwartego i świadomego zmieniającego się świata. W swoim programie centrum chce odpowiadać na stale zmieniający się świat; obejmuje to trendy w komunikacji, literaturze i języku oraz nowe technologie. Dlatego też wspólnie z Łukaszem Podolakiem stworzyliśmy zmienną i animowaną identyfikację, która reaguje wraz z centrum na aktualne problemy. Naszym założeniem było stworzenie takich narzędzie, aby Centrum nie tylko było twórcą kontentu, ale równocześnie współtworzyło identyfikację, a tym samym jego identyfikacja nigdy nie straci na świeżości czy aktualności. Przekrocz granice poznania – to zdanie poprowadziło nas w kierunku stworzenia narracyjnej tożsamości, która nieustannie ewoluuje. Chcieliśmy, aby Planeta Lem zabierała widza tak jak Lem w swoich książkach w podróże przez nieznane wymiary i do tej pory nieodkryte światy. Na identyfikacje Planety Lem składa się logo, system siatki, oraz abstrakcyjne wizualizacje przekraczanych wymiarów, jak i ulotny raster. Logo Planeta jest w ciągłym ruchu; przebłysk tego ruchu został uchwycony w logo. Logo istnieje w wymiarach w dwóch miejscach jednocześnie; w realnym i znanym nam oraz nieznanym, nieokreślonym, tajemniczym. Logo występuje w dwóch wersjach do druku jako zrastrowana forma oraz do digitalu jako gradient – zdecydowaliśmy się na takie rozróżnienie, aby wykorzystać możliwości danego medium — i mimo innej formy znaku, aby końcowy odbiór był ten sam. SiatkaModułowa siatka w połączeniu z geometryczną typografią tworzy system, który jest bazą dla bardziej organicznych i swobodnych wizualizacji. System dostosowuje się do formatu i wraz z nim skaluje, co pozwala nam pomieścić różne informacje. Siatka wyznacza przecięcia się wymiarów, buduje przestrzenie poprzez zamykanie i otwieranie kompozycji. WymiaryWizualizacje wymiarów to wizje tego, co nieodkryte, ale także powidoki tego, co już nam znane. Są tajemnicze, niejednoznaczne, otwarte i zmienne. Istnieje nieskończona liczba wymiarów, a każdy z nich ma swój własny wyraz. Ich złożoność może na różne sposoby pobudzać wyobraźnię. Wewnątrz nich znajome elementy wyglądają i zachowują się inaczej niż podpowiada nam intuicja. Są w ruchu, działają w różnym czasie, ciągle się odtwarzając i zmieniając. Ponieważ nasza wyobraźnia i interpretacja wszechświata nie mają granic, identyfikacja może mieć nieskończoną liczbę wymiarów (wyjścia wizualne). Tak jak Lem, poprzez opracowane zasady identyfikacji możemy tworzyć i wizualizować nowe światy w nieskończoność. RasterJako że program centrum, będzie wykorzystywał różnego rodzaju materiały zdjęciowe, zdecydowaliśmy się na uspójnienie tego wizerunku za pomocą rastra, bazującego na formie koła a tym samym nawiązującego do znaku. Raster jest zróżnicowany, ma smugi co daje mu poczucie ulotności, miękkości i tajemniczości a tym samym jako organiczny byt przenika zdjęcia w naturalny niemechaniczny sposób. Ten efekt pozwala nam wytworzyć podobny efekt otwartości kompozycji jak mamy w wymiarach. Kontrastująca identyfikacja jest żywa i wprawiana w ruch przez animacje. Materiały komunikacyjne oddają to uczucie, sprawiając wrażenie, że coś się tworzy, ewoluuje; w ten sposób zaprasza do odkrywania wizualnego świata Planety Lem w różnych mediach. Dzięki swojej otwartości nowa identyfikacja może rozwijać się wraz z potrzebami i programem Centrum. Koncentracja zawsze opiera się na poczuciu świeżości i aktualności. Projekt jest zwycięzcą konkursu rozpisanego przez Krakowskie Biuro Festiwalowe, a po konkursie został zaadoptowany i wdrożony. Projekt oraz koncepcja: Gabriela Baka i Łukasz PodolakWspółtworzone z Krakowskim Biurem Festiwalowym 

#Proj. dla int. publicznych 

Poznańska Nagroda Literacka

Yo Studio Marcin Markowski

Projekt wydawnictwa Poznańska Nagroda Literacka 2015–2020 jest zbiorem tekstów, artykułów i wywiadów najważniejszych polskich literatów. Idea samej nagrody oscyluje wokół szeroko pojętego przenikania. Przenikania ulotnego ze stałym, konkretnego z eterycznym czy w końcu przenikania się twórczości uznanych z tymi stojącymi u progu kariery. Idea ta ma także swoje odzwierciedlenie w roziązaniach formalnych wydawnictwa. Przez mlecznobiałą obwolutę (drukowaną na transparentnym pcv) przenika czerń okładki (papier barwiony w masie). W wyniku tego rozwiązania pojawia się tu forma będąca metaforą idei PNL – czarny prostokąt rozpływający się w mlecznej bieli. Przenika się tu określone z tym nieokreślonym. We wnętrzu zastosowane zostały trzy układy typograficzne, będące graficzną reprezentacją trzech form literackich stanowiących trzon publikacji. Organizatoramiwydarzenia są: Centrum Kultury Zamek w Poznaniu, Uniwersytet Im. Adama Mickiewicza w Poznaniu oraz miasto Poznań.

#Proj. dla int. publicznych 

Projekt kompleksowej identyfikacji wizualnej z elementami działań multimedialnych dla elektronicznego duetu muzycznego JANKA

Zofia Paśnik

Projekt kompleksowej identyfikacji wizualnej dla elektronicznego duetu muzycznego JANKA (Hatti Vatti & Daniel Drumz) łączy w sobie działania z obszarów projektowania graficznego i multimediów. Celem pracy jest podkreślenie wagi spójności towarzyszącego muzyce przekazu wizualnego na wielu obszarach jego realizacji. Całość identyfikacji dla albumu "MIDI life crisis" bezpośrednio nawiązuje do specyfiki muzyki tworzonej przez duet, m. in. przez wykorzystanie w procesie jej powstawania analogowego syntezatora wideo. Schemat działania analogowego syntezatora wideo pokrewny jest ze schematem działania syntezatorów modularnych, których Hatti Vatti i Daniel Drumz użyli do stworzenia materiału znajdującego się na płycie. Na projekt identyfikacji wizualnej składają się: winylowe wydawnictwo muzyczne (30cmx30cm) z okładką animowaną w technologii AR i białą płytą z czarnym splatterem, wideoklip, krótkie animacje z przeznaczeniem na serwisy streamingowe oraz plakaty koncertowe w wersji tradycyjnej i animowanej. Wydawnictwo płytowe zawiera również dwa inserty graficzne (30cmx30cm) oraz jeden insert typograficzny (60cmx30cm). Wszystkie statyczne elementy graficzne (okładka płyty oraz inserty) są stopklatkami z obrazu ruchomego – animacji, które autorka stworzyła cyfrowo, a następnie przetworzyła przy użyciu analogowego syntezatora video. Krój pisma użyty w projekcie – La Nord V2.1 autorstwa Raoula Gottschlinga. Projekt dyplomowy został obroniony w grudniu 2020 roku na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach, a w marcu 2021 album "MIDI life ciris" został wydany przez wytwórnie U Know Me Records. Materiały wizualne prezentujące projekt załączone są w plikach jpg, a pozostałą, multimedialną część projektu dyplomowego (teledysk, animacja okładki w AR, animacje pod serwisy streamingowe, animowane plakaty) zobaczyć można pod tym linkiem: https://zookarmnik.com

#Świeża krew 

Rebranding Otodom

Kommunikat

W ciągu ostatnich lat OTODOM umocnił pozycję lidera na rynku nieruchomości, stając się wyborem 1 zarówno dla prywatnych nabywców, najemców i sprzedających, jak i poważnym partnerem biznesowym dla całej branży nieruchomości. Marka już dawno przestała się kojarzyć z “tablicą ogłoszeniową”, rozwinęła nową strategię Customer-centred data-driven INDUSTRY LIGHTHOUSE, w której rola marki została zdefiniowana na nowo jako FRIENDLY ADVISOR. Marka potrzebowała nowego języka wizualnego, który wyraziłby jej nową rolę i ambicje, pokazał ją jako nowoczesną i odważną, a jednocześnie stworzył przestrzeń do wyrażania jej komunikacyjnego assetu - EMOCJI. Komunikacja wizualna w branży nieruchomości jest mocno osadzona w stereotypach. Większość graczy na tym rynku posługuje się ikoną domku reinterpretowanego na dziesiątki sposobów. W żadnym razie nie chcieliśmy wejść na tę drogę. Uprościliśmy maksymalnie symbolikę domu, usuwając zarys dachu i dochodząc do możliwie najbardziej elementarnej formy, jaką jest kwadrat. Zaczerpnięty z planów architektonicznych kwadrat jako symbol domu, miejsca do życia, przestrzeni osobistej, własnych 4 ścian. Wewnątrz kwadratu znalazło się koło, rozumiane symbolicznie jako człowiek, konsument będący w centrum zainteresowania marki, ale i sama marka, dla której ten kształt stał się sygnetem zastępującym literę O w logotypie. Siła tkwi w prostocie. Nowy system identyfikacji wizualnej został uporządkowany i oparty na ewolucji, ulepszeniu dotychczasowych identyfikatorów mark. Przeszedł także rewolucję, która uzupełniła je o nowe elementy. Dzięki dynamicznemu brandingowi, marka Otodom zyskała nie tylko bardziej profesjonalny charakter, ale także czytelny i nowoczesny wymiar. Wykorzystanie elementarnych kształtów dało nieograniczone możliwości wykorzystania ich kreatywnie. Proste zabiegi działające jednak w synchronizowany sposób sprawiają, że branding jest przyjazny, pojemny i odważny, czyli w sam raz dla lidera. Nowy logotyp zyskał odważny charakter i stworzył miejsce do dynamicznych komunikatów przez wymienianie symbolu na ikony nawiązujące m.in. do emocji. Identyfikacja została zdefiniowana także przez ruch, oraz wizualizacje danych, które stały się charakrterystycznym elementem brandingu. Cały system został zdefiniowany przez Brandbook, który powstał także w wersji online, gdzie zarówno zasady używania jak i autoryzowane pliki są dostępne dla współtwórców marki Otodom. Rebranding miał swoją premierę wraz z kampanią telewizyjną stworzoną przez Leo Burnett. Nowa identyfikacja wizualna została zaadaptowana przez agencję na potrzeby spotów dokładnie w taki sposób, jaki był naszą intencją jako twórców. To najlepszy sprawdzian, jeśli branding jest używany zgodnie z zamysłem podczas implementacji go poza studiem. Dynamicznie zmieniające się logo dało w filmach możliwość plastycznego wyrażenia emocji i skorelowania ich z obrazem video. To działa i co ważniejsze oddziałuje na emocje! Równolegle został opublikowany raport SZCZĘŚLIWY DOM w nowej szacie graficznej. Wszystkie inne działania marketingowe przejmują nowe rozwiązania wizualne. Konsekwentnie i w dynamicznym tempie nowy branding zostaje wprowadzony na wszystkie nośniki i kanały marki. Przy takiej skali i rozpoznawalności jest to niezwykle istotne. Wdrożenie będzie przebiegać etapowo, dlatego na niektórych nośnikach nie widać jeszcze nowego brandingu. Jednak dzięki systematycznej implementacji elementów i funkcjonalnemu brandbookowi online powstała unikalna dla procesu możliwość udostępnienia źródeł i zasad wszystkim zaangażowanym w markę.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

RED CUBE - Expect the unexpected

Paloma Kałuzińska

Praca Magisterska realizowana na University of the Arts London na kierunku Graphic Branding and Identity Oddanie: 15.01.2021 Wynik: Wyróżnienie (Master of Arts with Distinction) “Play with assumptions, make people look and think twice. Truth is there only to be questioned and challenged” (Kessels, 2016) Czy możesz oczekiwać czegokolwiek od aktualnej rzeczywistości i źródeł informacji? Czy zadajesz wystarczająco dużo pytań? Czy informacje, które czytasz są warte twojego zaufania i wiary? RED CUBE jako projekt odpowiada na wiele pytań w tej dziedzinie i stara się otworzyć oczy swoim użytkownikom, aby zainwestowali więcej czasu i wysiłku w codzienną konsumpcję informacji. Projekt ten jest badaniem problemu wypaczonych i zmanipulowanych informacji, aby pomóc ludziom znaleźć, nauczyć się i poprawić ich zachowania związane z konsumpcją informacji i indywidualne rozumowanie. RED CUBE wierzy w naukę przez doświadczenie, w siłę jakości i ponownej oceny. Bawi się formą i zachęca użytkowników do eksploracji tego co nieoczekiwane. Na bazie strategii brandingowej, projekt miał opdowiedzieć na pytanie "Jak możemy przewartościować swoje oczekiwania w czasach mylnych informacji?" (EN: How can we re-evaluate our expectations in the misinformation age?) Red Cube jest konceptem łączącym idee galerii, experience designu i co najważniejsze edukacji. Jest on skierowany do młodego pokolenia, które żyje w czasach przeładowanych ilością informacji różnej treści. Poprzez doświadczenia i metafory przestrzega przed manipulacją, i podpowiada narzędzia do ulepszenia swoich nawyków przyswajania informacji. Każdy pokój reprezentuje inny aspekt problemu wchodząc w interakcję ze zwiedzającym. Droga przez pokoje jest drogą poznawczą, która ma na celu ekspozycję problemu fałszywych informacji. Pod koniec wycieczki okazuję się jednak, że trzeba wrócić tą samą drogą sprawdzając czy zwiedzający nauczył się na swoich błędach. Kilka faktów o projekcie: - Red Cube - nazwa nawiązuje do angielskiego wyrażenia "White Cube", które oznacza przestrzeń galeryjną, w połączeniu z kolorem czerwonym (wynik researchu na temat cech tego koloru dostępny w pracy pisemnej) - Projekt obejmował: research wizualny, tworzenie konceptu, modelowanie 3D przestrzeni, branding, strategie marki Red cube, wizualizacje, montaż wideo, prototypowanie i wiele innych. - Pierwszą inspiracją do powstania projektu był termin "expectation gap", który określa różnice między oczekiwaniami a zastaną rzeczywistością. - Research oparty był strategiach i analizach niezbędnych w tworzeniu marki takich jak: analiza grupy docelowej, reseach nazwy, określenie Tone of Voice i wszystkich wartości marki, testowaniu, researchu rynku i potrzeb, dobraniu języka wizualnego. - Projekt można znaleźć na stronie uczelni: https://graduateshowcase.arts.ac.uk/2020/projects/7772/expect-the-unexpected-paloma-kaluzinska/cover Pliki pracy magisterskiej można zobaczyć tutaj: https://bit.ly/3mNrCdt EN - wersja skrócona: “Play with assumptions, make people look and think twice. Truth is there only to be questioned and challenged” (Kessels, 2016) Can you expect anything from current reality and information sources? Do you question enough? Is the information that you read worth your trust and belief? RED CUBE as a brand addresses many questions in the field and tries to open the eyes of its users to invest more time and effort into their daily information consumption. This project is an investigation into the problem of skewed and manipulated information in order to help people find, learn and improve their information consumption behaviours and individual reasoning. RED CUBE believes in learning by experience, in the power of quality and re-evaluation. It plays with form and encourages its users to expect the unexpected. The outcome file can be seen here: https://bit.ly/2LSLWKA I am more than happy to tell you more! See my contact details below

#Świeża krew 

SGGW branding

Podpunkt

Szkoła Główna Gospodarstwa Wiejskiego (SGGW) to uczelnia z ponad 200-letnią tradycją w badaniach z zakresu biologii, rolnictwa i innych dziedzin zajmujących się życiem, przyrodą i jej związkiem z człowiekiem. Strategia rozwoju Uczelni jako nadrzędny wskazuje rozwój badawczy instytucji, tworzenie silnego ośrodka naukowego. Wokół nauki o życiu koncentruje się tradycja i charakter SGGW, a anglojęzyczna nazwa szkoły brzmi Warsaw University of Life Sciences. Dlatego życie stało się główną inspiracją nowej tożsamości Uczelni. Kluczowa idea opiera się na powiązaniu Uniwersytetu z Ziemią, naturą i życiem w jego najbardziej biologicznych i podstawowych formach (komórki, krople wody, białka i inne związki organiczne). Stworzyliśmy sześć form atomowych – cząstek elementarnych – które stały się podstawą nowej identyfikacji. W ich opracowaniu brali udział naukowcy, dzięki czemu język wizualny Uczelni jest również językiem nauki. Podstawą tych cząstek jest okrąg – forma nawiązująca do cykliczności natury. Kształty te są używane w całym projekcie, zaczynając od typografii, gdzie umieszczamy je w dwóch czcionkach dedykowanych potrzebom SGGW (typografia opracowana we współpracy z Mateuszem Machalskim i Natanaelem), po wszelkie motywy graficzne i rozbudowany system tworzenia ilustracji. Kluczowa idea cząstek elementarnych to nie tylko język wizualny uczelni ale również system haseł ją promujących. Odniesienie do życia znajdujemy w zawołaniach: „Wiemy wszystko o życiu w SGGW”, „Życie w SGGW”, „Rozwiń sie w SGGW”, „Wiedza kiełkuje w SGGW”, „Łączymy siły w SGGW”, etc. Współtworzony z naukowcami pomysł oddaje charakter Uczelni i ją wyróżnia, łatwo adaptuje się do wszelkich form komunikacji. Tak jak ewoluuje życie – tak system identyfikacji wizuanej daje możliwości budowania nieskończonej ilości motywów, bogatego wizualnego świata SGGW. Co ważne – nie ma drugiego podobnego projektu w świecie identyfikacji wizualnych uczelni. Niezmiernie ważne było pokazanie ciągłości tradycji Uniwersytetu, dlatego projekt znaku oparliśmy na historycznym golde. Dostosowaliśmy go do nadrzędnej idei identyfikacji, konstruując wieniec z cząsteczek elementarnych użytych w całym projekcie. Godło zachowało wszystkie ważne historycznie elementy (współpraca z historykami Uczelni). Zakres projektu: strategia komunikacji, projekt identyfikacji wizualnej z wyróżnieniem dwóch linii komunikacyjnych (naukowo-biznesowej i studenckiej), projekt kampanii promocyjnej i haseł.

#Proj. dla int. publicznych 

Grafika nagrodzonego

Short Waves Festiwal 2021

Uniforma

Short Waves Festival to jeden z najważniejszych polskich festiwali prezentujących filmy krótkometrażowe z całego świata, zabierający głos w ważnych kwestiach. Opracowaliśmy zarówno elastyczny, całoroczny, częściowo animowany system identyfikacji wizualnej Festiwalu, jak i edycji 2021 odbywającej się pod hasłem MirrorMirror. W obliczu niedookreślenia programu, skupiliśmy się na ogólnym charakterze. Aby zaznaczyć zmianę wizerunku Festiwalu postawiliśmy na bezkompromisową czerń i biel, oraz pozornie toporny, gazetowy, ogłoszeniowy sposób komponowania. Bardzo nietypowy w promocji wydarzeń filmowych. Jedynym finezyjnym elementem pozostał logotyp i wywodzące się z niego znaki i emblematy urozmaicające całość. Wersja identyfikacji wizualnej edycji 2021 została oparta na haśle edycji: MirrorMirror. Lustro nie tylko odzwierciedla rzeczywistość, ale ją tworzy co pokazuje kompleksowość funkcjonowania w czasie tu i teraz. Motyw lustrzanego odbicia w puzderku, który buduje key visual, przypatruje się współczesnym nam. W jednym odbiciu klatka z filmu, ale drugie pozostaje nieodgadnione. Powstały 3 plakaty eksponowane w różnym czasie na nośnikach miejskich Poznania: pokazujący zmianę identyfikacji ogólnej Festiwalu, zapowiadający hasło edycji, oraz plakat wizerunkowy edycji z key visualem. Stworzyliśmy też 30-sekundowy animowany spot emitowany w internecie i lokalnej telewizji, promowany przez lokalne i ogólnopolskie media. Ponadto ulotki, obszerny katalog z programem, ścianka reklamowa, torby, naklejki, identyfikatory, smycze, festiwalowe etykiety na kawy i napoje partnerów. Największy nacisk położyliśmy jednak na angażującą obecność w mediach społecznościowych.

#Forma 

Silesia Film

muflon studio

Silesia Film to instytucja kultury działająca w województwie śląskim zajmująca się promocją kultury filmowej. W ramach projektu dokonaliśmy rebrandingu Silesia Film, zaprojektowaliśmy logo submarek Silesia Film Commission i Filmoteki Śląskiej oraz spójną identyfikację wizualną dla 5 kin: Światowid, Kosmos, Janosik, Rialto i Bałtyk. Stare logo odbierane było jako nieatrakcyjne wizualnie oraz bardzo statyczne, jak na instytucję zajmującą się obrazem ruchomym. Dodatkowo Silesia Film przed rebrandingiem była postrzegana jako marka monolit, biurokratyczna instytucja niedostępna dla odbiorców. W całej identyfikacji panował chaos wizualny, każda marka posługiwała się odmienną stylistyką, koncepcją oraz typografią. Aby podkreślić wielozadaniowość Silesia Film konieczne było dokonanie zmian nie tylko w głównym logo, ale także i w pozostałych markach. Kolejnym wyzwaniem było dostosowanie klucza wizualnego do bardzo szerokiego grona odbiorców: producentów, reżyserów, jak i do widzów w bardzo różnym wieku. Nowe logo zostało oparte na uproszczonej literze S, której podstawą są dwa suwaki, nawiązujące do motywu kadrowania i ekranu, obecnego w poprzednim znaku. Projekt sygnetu odwołuje się do dominującej na Śląsku estetyki brutalistycznej, poprzez ciężką i prostą formę. Kolejnym krokiem było zaprojektowanie architektury submarek, tak aby tworzyła spójną rodzinę.Tutaj rozwiązaniem okazało się wykorzystanie ramy zawartej w sygnecie. Aby ułatwić pracownikom Silesia Film pracę z nowym kluczem wizualnym zaprojektowany został elastyczny grid, którego podstawą stała się konstrukcja logo. Jego dynamika pozwala wydobyć ruch oraz wpisać różne wielkości ekranów filmowych. Projekt uwzględnia również całkowite przeprojektowanie layoutu repertuarów, ze zwróceniem szczególnej uwagi na czytelność, hierarchię informacji oraz łatwość w odtworzeniu projektu przez pracowników. Dodatkowo zaprojektowane zostały cyfry oraz piktogramy powstałe z modułów wywodzących się z sygnetu, tak by ułatwić odbiorcy identyfikację poszczególnych wydarzeń i cykli. Minimalna liczba kolorów – czarny, szary, czerwony i biały ułatwia implementację projektu i drukowanie. Dzięki wdrożeniu nowej identyfikacji odbiorcy zaczęli identyfikować Silesię Film jako właściciela Silesia Film Commission, Filmoteki Śląskiej oraz 5 kin, co podniosło prestiż i rozpoznawalność marki. Uzyskana została spójność komunikacji, pomimo funkcjonowania w obrębie Silesia Film wielu podmiotów. Opracowany system zasad posługiwania się kluczem wizualnym okazał się funkcjonalny i szybki w obsłudze nawet dla pracowników o małym doświadczeniu w projektowaniu.

#Proj. dla int. publicznych 

Smilebite

Hopa Studio

Smilebite to kosmetyki do prawidłowej pielęgnacji zębów, jamy ustnej i skóry warg. Produkty wyróżniają naturalne składniki i proste kompozycje, które dbają o piękne zęby i usta. Dla nowej marki ze świata kosmetycznego Nutridome stworzyliśmy strategię komunikacji, nazwę, identyfikację wizualną oraz projekt opakowań. Punktem wyjścia dla stworzenia projektu byli odbiorcy. Zastanowiliśmy się jak żyją, czego potrzebują. Wiemy, że klienci Smilebite są świadomymi estetami – dbają o siebie oraz o atmosferę, w której funkcjonują. Łazienki to domowe SPA, w których każdy kosmetyk oprócz tego, że dba o ciało, to również staje się elementem dekoracji. Klienci posiadają już perfumy w flakonach, kremy w dobrze zaprojektowanych opakowaniach, odżywki, szampony. Niestety design popularnych produktów do jamy ustnej, nawet tych droższych, pozostaje niezmienny od wielu lat – są to opakowania, które staramy się bardziej schować niż pokazać. Smilebite jest mocno osadzony w kategorii kojarzonej z nudnym, codziennym, czasami bolesnym obowiązkiem dbania o zęby. My postanowiliśmy, że stworzymy markę, której produkty do pielęgnacji jamy ustnej będą od początku traktowane jak nowoczesne kosmetyki, a nie lekarstwo zalecane przez stomatologa. Postanowiliśmy „przenieść” higienę zębów do świata „wellness” – trendu zdrowego stylu życia i świadomego dbania o siebie. Design oraz składy produktów miały być symbolami zmiany w postrzeganiu kategorii. Założenia i pomysły pozwoliły nam wyjść poza główną komunikację osadzoną w świecie dentystycznym i lekarskim. Aplikujemy rozwiązania graficzne i językowe typowe dla kosmetyków. Logo to dla nas uśmiech i radość – to symbol czystości i optymizmu. Zależało nam, by przede wszystkim utrzymać minimalizm formy znaku. Zachowaliśmy również biel, aby podkreślić funkcje produktów – jasne, czyste zęby zgodnie ze znanym schematem kojarzą się z tym kolorem. W środku opakowania, na zasadzie kontrastu i dla zabawy, ukrywamy pattern – luźne nawiązania do słowa „bite”. Kolor wyróżnia najważniejsze informacje i ciekawe copy, które ma przyciągać wzrok. Postawiliśmy na kroje pisma bezszeryfowe, lekko humanistyczne często stosowane w branży beauty. Mocną stroną Smilebite jest myślenie o tego typu produktach w kontekście rytuałów dla urody. Marka przypomina, że pielęgnacja zębów może być również przyjemnością, bo jej produkty dzięki składnikom i opakowaniom kwalifikujemy do klasy lifestyle beauty. Nazwa kojarzy się jednoznaczenie z uśmiechem, radością, optymizmem, a jednocześnie jest odważna, zadziorna – bardzo w stylu lifestylowym, nawet modowym. Udało się stworzyć opakowanie, w którym motyw nadgryzienia kartonu jest mocno widoczny – choć minimalistyczne z zewnątrz, wewnątrz pokazuje ukryte treści, jest odważne i inspirujące. Mamy nadzieję, że produkty przeznaczone do higieny jamy ustnej przestaną wyglądać tak, jak narzuciły nam to wielkie korporacje przez lata. Wszechobecna czerwień i biel, pani w kitlu dentystycznym, pochylająca się nad biednym pacjentem, który zaraz spadnie z fotela dentystycznego.

#Forma 

SPOIWO MARTIAL HEARTS - okładka płyty

ROCHE

SPOIWO to zespół z Gdańska, który tworzy specyficzną muzykę elektroniczną. Ich nowy album łączy naturę i technologię. Ich połączenie to zderzenie, a nawet można określić, że są dla siebie czymś zupełnie odrębnym, ale mimo to są ze sobą powiązane, łączą się i przenikają. Okładka (tak samo jak muzyka) działa w ten sam sposób, pokazuje związek między tymi dwoma pojęciami. Tytuł albumu Martial Hearts nawiązuje do sztuk walki, ale zmiana jednego słowa powoduje zmianę kontekstu. Brzmi w ten sposób jak walka z sercami i jest traktowane symbolicznie. Tutaj oznacza przezwyciężanie przeciwności.

#Świeża krew 

System informacji wizualnej dla Browarów Warszawskich

Blank Studio

Browary Warszawskie W 2021 roku Warszawska Wola zyskała piękne, otwarte i przyjazne dla wszystkich miejsce. Budynki mieszkalne, biurowce oraz place miejskie i nowe ulice wypełniły kwartał, który nawet w czasach fabrycznej prosperity był pilnie strzeżonym przez woźnych, niedostępnym dla niezatrudnionych areałem miasta. O dawnej świetności tego miejsca przypominają zrewitalizowane zabudowania dawnego browaru – zabytkowa Warzelnia, Laboratorium, Willa Schiele oraz 170-letnie piwnice Leżakowni. Ważnym założeniem, które pojawiło się podczas projektowania systemu informacji wizualnej dla tego miejsca, było zintegrowanie wszystkich elementów oznakowania z otaczającą architekturą oraz utrzymanie spójnego charakteru przestrzeni. Krój pisma, piktogramy, poszczególne komunikaty i oznaczenia miały harmonijnie współgrać ze sobą oraz z atmosferą budynków. Informacja wizualna pojawia się zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz obiektów Browarów Warszawskich. Istotne było, aby mimo odmiennej konstrukcji, determinowanej przez przestrzeń, w której nośniki się znajdują, pozostały one ze sobą spójne – były częścią jednego systemu. Stało więc przed nami nie lada zadanie. Projekt oznakowania został oparty o kilka kluczowych elementów, których celem było podkreślenie charakteru przestrzeni: 1. Typografia: Do zastosowań w ramach systemu informacji wizualnej wybrano 2 dopełniające się kroje: Gordita – geometryczny, bezszeryfowy krój pisma o nowoczesnych detalach, które dają optycznie wyważony, przyjazny styl oraz Vesterbro – atrakcyjny, nowoczesny krój szeryfowy charakteryzujący się dużym kontrastem elementów. Fonty te, ze względu na bardzo odmienny charakter, świetnie sprawdzają się w duecie i wyraziście podkreślają nastrój miejsca (rewitalizacja Browarów Warszawskich to udane połączenie historii i nowoczesności). 2. Autorski zestaw piktogramów:Piktogramy są ściśle związane z krojem pisma Gordita– to na jego bazie zostały zaprojektowane. Piktogramy zbudowano z fragmentów glifów, kształtów liter wybranego kroju pisma. Dzięki temu system informacji wizualnej jest spójny i charakterystyczny dla tego właśnie, konkretnego budynku. Piktogramy budowane z elementów liter mają podobne do nich proporcje, sprawia to, że w komunikatach są niejako przedłużeniem tekstów, harmonijnie z nimi współgrają. 3. Charakterystyczne, ilustracyjne elementy graficzne oraz autorskie kolaże wykonane przy użyciu autentycznych historycznych materiałów związanych z Browarami. 4. Nośniki informacji, których cechą charakterystyczną jest korzystanie z lekkiej wizualnie metalowej kratownicy (dzięki temu nawet duże pylony zyskują industrialny charakter, a jednocześnie nie przytłaczają otaczającej ich przestrzeni).

#Forma 

System informacji wizualnej dla Muzeum Marii Skłodowskiej-Curie w Warszawie-Cu

Blank Studio

Muzeum Marii Skłodowskiej-Curie w Warszawie znajduje się w miejscu urodzenia dwukrotnej laureatki Nagrody Nobla. Mieści się w niewielkiej, XVIII-wiecznej kamienicy, gdzie matka Marii prowadziła szkołę dla dziewcząt. Ekspozycję stałą tworzy obszerny zbiór oryginalnych notatek i listów Marii Skłodowskiej-Curie, a także fotografii, dokumentów oraz rzeczy osobistych badaczki i jej rodziny. Muzeum od wielu lat uczestniczy także w międzynarodowej Nocy Muzeów, organizując pokazy chemiczne i warsztaty. Patronuje przedsięwzięciom poświęconym zarówno uczonej, jak i innym kobietom nauki i kultury. Przystępując do realizacji systemu informacji wizualnej naszym założeniem projektowym było, aby system oznakowania posiadał oryginalną formę, był łatwy i ekonomicznie dostępny do wdrożenia (bardzo ograniczony budżet instytucji), a także odwoływał się bezpośrednio do najpopularniejszych skojarzeń związanych z osobą Noblistki. Inwestor wskazywał także na chęć podkreślenia charakteru budynku i wizualnego zaznaczenia, że jest to miejsce, w którym rodzina Curie prowadziła także szkołę. Pierwszym aspektem, o który dbaliśmy w trakcie projektowania wizualnych komunikatów było założenie, by nie zdominowały one architektury wnętrz. Przywiązywaliśmy wagę także do tego, by spełnić wszystkich ww. sugestii – dlatego z dużą uwagą słuchaliśmy uwag Inwestora. Oprócz oddania hołdu największym osiągnięciom Marii, wpadliśmy na prosty pomysł wykonania systemu oznakowania, który będzie świecił w ciemności, emitując charakterystyczne zielone światło (typowe dla uranu). Zastosowaliśmy farbę luminescencyjną (pierwotnie używaną do oznaczania dróg ewakuacyjnych), która „zbiera” światło w normalnych warunkach dziennych. Po nagłym zapadnięciu ciemności emanuje charakterystyczną zielonkawą poświatą - może to stworzyć magiczny, niezwykły klimat, który np. podczas Nocy Muzeów robi „efekt wow”! Dodatkowo, zdecydowaliśmy się na użycie elementów graficznych, które nawiązują do odręcznie rysowanych kredą napisów na szkolnych tablicach (dzięki temu wyraźne jest odniesienie do funkcji budynku, jako byłej szkoły). Projekt udało się wdrożyć niewielkim kosztem - a jednocześnie spełnia on wszystkie założenia, które ustalono z Inwestorem na samym początku prac projektowych. To wielki sukces - dysponując niewielkim budżetem można wdrażać inspirujące i działające systemy informacji wizualnej.

#Proj. dla int. publicznych 

Grafika zwycięzcy

System oznakowania nowej siedziby Zespołu Państwowych Szkół Muzycznych nr 1 w Warszawie.

UVMW

W 2020 roku Zespół Szkół Muzycznych nr. 1 otrzymał nową siedzibę a my otrzymaliśmy zadanie stworzenia w niej systemu SIW. Podstawą procesu projektowego było znalezienie rozwiązań formalnych dla SIW wpisujących się w przestrzeń i łączących dwa budynki o skrajnie różnej formie architektonicznej. Projektowany SIW musiał uwzględniać również dwie funkcje obiektu, szkolną (dla uczniów i dydaktyków) oraz publiczną (koncertową) dostępną dla gości z zewnątrz, publiczności i artystów. Z naciskiem na spełnienie potrzeb najmłodszej grupy użytkowników i stworzenie dla nich systemu o przyjaznej i atrakcyjnej formie graficznej. Postanowiliśmy znaleźć w historii instytucji coś co, stało by się elementem wiążącym nową przestrzeń i szkołę z tradycjami. Zainspirowały nas afisze koncertowe wiszące w starej siedzibie jako forma idealna do stworzenia wyrazistego systemu informacji. Dodatkowo jest to ciekawy element spajający szkołę z nową funkcją publiczną o jaką wzbogaci się szkoła czyli publiczną salę koncertową. W przeszłości koncerty w takich salach były promowane za pomocą takich właśnie afiszy. Stawiamy na nowoczesność i klasyczne afisze zinterpretowaliśmy pod funkcję SIW. Nawiązując do logo ZPSM zależało nam na użyciu kolorów i mocnej plakatowej typografii. Dopełnieniem systemu informacji jest zestaw ikon. Z myślą o uczniach stworzyliśmy zestaw rysunkowych ikon. Takie rozwiązanie pozwoliło nam ocieplić komunikat i dało możliwość wprowadzenia emocji np. uśmiechy na twarzach, odrobinę żartu. Wykorzystaliśmy formy plakatowe. Umieściliśmy je w drewnianych ramach i nawiązując do afiszy koncertowych postanowiliśmy układać je w różnych konfiguracjach o różnym natężeniu i wielkości. ZPSM zyskało przyjazny system oznakowania, który świetnie wpisuje się w przestrzeń, nie zaburza jej. Jest zmienny - w razie potrzeby kaskady plakatów mogą zmieniać swój układ, można także wieszać kolejne elementy. Szkoła to żywa instytucja - całość została przemyślana tez w ten sposób, że jeśli zajdzie potrzeby wymiany nośnika - jest to proste, wystarczy wydrukować plakat lub zamówić ramę. Nie trzeba produkować drogich, trudnych do wykonania nośników informacji. Dodatkowo co ważne cały projekt był niedrogi - było to kluczowe gdyż szkoła operuje budżetami publicznymi, a w obliczu pandemii oraz innych gigantycznych wydatków musieliśmy brać pod uwagę koszta. Udało się mimo to spiąć wszystko w przyjazny i wykonany na najwyższym poziomie projekt. Staraliśmy się także przełamać schematyczne myślenie o systemach oznakowań, pokazać, że można trochę nagiąć pewne zasady o ile pozwala na to dana sytuacja. Projekt został nagrodzony złotą nagrodą European Design Award oraz główną nagrodą Polish Graphic Design Award w kategorii systemów informacji.

#Forma  #Projekt Roku 

Szkice, rysunki i monotypie Stanisława Koniecznego

Antonina Kałużna

Album prezentuje zbiór szkiców, rysunków oraz monotypii gdańskiego ceramika, rzeźbiarza i konstruktora Stanisława Koniecznego. Artysta zmarł w wieku zaledwie 48 lat, jednakże pozostawił po sobie ogromny dorobek. Pomimo licznych wystaw z zakresu rzeźby i ceramiki, pierwszy raz, po 40 latach od śmierci artysty, zostaje ukazane wnętrze szkicownika Koniecznego, którego on sam nigdy nie upubliczniał. Szkicownik będący dla niego wizualnym pamiętnikiem codzienności stał się również zapisem twórczej drogi, stąd też publikacja jest zaproszeniem do zapoznania się z życiem i twórczością jako procesem, a nie tylko tworem. Poprzez utrwalone na skrawkach papieru urywki z rzeczywistości Koniecznego ukazane są zmiany, jakie przechodził, jego upodobania, obserwacje, zainteresowania i relacje. W czasach w których tworzył nie było powszechnego dostępu do materiałów. Z oszczędności i szacunku do papieru wiele szkiców rysował po obu stronach kartki lub na małych skrawkach papieru. Z ponad 300 prac wybrałam 130 reprezentujących jego proces i transformację jako twórcy. 128-stronicowy album to także wspomnienia żony i córki, kalendarium ważnych wydarzeń kształtujących Stanisława, mapa emigracji rodziny, spis wystaw oraz liczne zdjęcia. Ręcznie wykonana oprawa z widocznym szyciem nawiązuje prostą estetyką do formy szkicownika-pamiętnika. Wydanie jest dwujęzyczne, polsko-angielskie. Książka zrealizowana została w ramach dyplomu licencjackiego na wydziale Grafiki na Akademii Sztuk Pięknych w 2021 roku. Jest to zarazem forma hołdu i wyrażenia szacunku wobec Stanisława Koniecznego, który jest dziadkiem autorki albumu.

#Świeża krew 

Teksty nie tylko o typografii

Tomasz Bierkowski

Podstawowymi celami tej niekomercyjnej publikacji popularno-naukowej było zwrócenie uwagi na trudną sytuację osób nieheteronormatywnych w Polsce oraz wsparcie organizacji pozarządowej Miłość Nie Wyklucza, która edukuje i walczy o wprowadzenie równości małżeńskiej. Z kolei celem drugorzędnym było upowszechnienie wiedzy z obszaru projektowania. Książka została napisana, zaprojektowanam, wydana, promowana i kolportowana przez jedną osobę – autora projektu. Publikacja była rozsyłana do każdej osoby, która wpłaciła określoną, niewielką kwotę dla wsparcia organizacji Miłość Nie Wyklucza. W przeciągu dwóch miesięcy rozesłano ok. 50 egz., dzięki czemu na konto Miłość Nie Wyklucza wpłynęło ok. 2000 zł.

#Impakt społeczny 

Grafika nagrodzonego

Trouble in Paradise – projekt języka wizualnego, książki i strony www

Kuba Maria Mazurkiewicz (zespół wespół)

Projekt graficzny języka wizualnego, książki, warstwy typograficznej ekspozycji, strony www i materiałów promocyjnych wystawy „Trouble in Paradise” kolektywu PROLOG + 1 w Pawilonie Polskim na 17 Biennale Architektury w Wenecji. Identyfikacja jest ściśle związana z koncepcją wystawy, która dotyczy wsi, jej układu przestrzennego i charakteru architektonicznego. Osią wszyskich kompozycji jest linia horyzontu, charakterystyczna dla postrzeganie wiejskiego pejzażu. Ściśle łączy się z „Panoramą wsi polskiej” instalacją grupy PROLOG +1, która jest obecna w przestrzeni wystawy, katalogu i na stronie internetowej.

#Proj. dla int. publicznych 

Uniwersytet Gdański / nowe logo uczelni

Studio Spectro

Nasze studio zostało zaproszone do zamkniętego konkursu (wraz z innymi 4 trójmiejskimi studiami) na nowy znak Uniwersytetu Gdańskiego, który wygraliśmy. W nowym logo zawarliśmy nowoczesną i czytelną typografię, mocny, progresywny kolor oraz estetyczne i funkcjonalne pierwszych liter z nazwy wraz z dwoma pionowymi krzyżami na siatce modularnej. Najpierw doceniło nowy znak jury złożone z ekspertów w dziedzinie projektowania (m.in. z gdańskiego ASP), następnie spotkał się z aprobatą pracowników uczelni i po dopracowaniu został przyjęty przez Senat UG zdecydowaną większością głosów (48 głosów za, 4 głosów przeciw, 3 wstrzymujące się). Uczelnia zyskała nowy znak - zalążek nowej identyfikacji wizualnej. Oficjalny znak uczelni był niezbyt fortunny wizualnie – z przyciężkim dużym "U" z wpisanym w nie "G". Jego elementy były nieczytelne przy skalowaniu, nie było też jasnych wytycznych co do stosowania znaku oraz panował chaos w stosowaniu z innymi elementami graficznymi. W tym roku skończyły się także obchody 50-lecia uczelni, na które został wcześniej specjalnie zaprojektowane zupełnie inne, okazjonalne logo używane w ciągu minionego roku. Żaden z tych znaków nie uwzględniał jednak ważnych dla uniwersytetu wartości, jak np. dwa krzyże, nawiązujące do herbu Miasta Gdańska. Powstała więc potrzeba stworzenia nowego znaku uczelni. Nowe logo miało być także punktem wyjścia do zaprojektowania nowoczesnej i spójnej identyfikacji wizualnej, którą właśnie kończymy. W wytycznych odnośnie tego, co ma się zawierać w nowym znaku było kilka elementów: heraldyka Miasta Gdańska (dwa krzyże ), litery "U" i "G", nawiązanie do morskości, korona oraz tarcza. Mocno szukaliśmy rozwiązania, które w prosty sposób ujęłoby te wszystkie elementy, a jednocześnie było proste, czytelne i nowoczesne. Doszliśmy do wniosku, że musimy w pewien sposób "połączyć" krzyże oraz litery "U" i "G" w "jedno" żeby móc zachować myśl, o którą nam chodziło i udało nam się uzyskać zamierzony efekt. :) Wychodząc od tego bardzo konkretnego pomysłu, uzyskaliśmy bardzo konkretną formę. Dodaliśmy do wypracowanego znaku jeszcze przestrzeń negatywową, co pozwoliło na zbudowanie charakterystycznego klimatu i jest punktem wyjścia do rozwinięcia w identyfikacji. Liternictwo połączone z dwoma pionowo ułożonymi krzyżami wpisaliśmy w kształt tarczy. Długo szukaliśmy też typografii, która będzie spójna z nowoczesnym znakiem, będzie czytelna i dobrze zaprojektowana. Najlepszy okazał się krój Obibok od Laic Type. Zmodyfikowaliśmy w logotypie kilka newralgicznych miejsc, gdzie była potrzeba dopracowania czytelności i skalowalności. Bardzo ważny był dla nas także kolor – zdecydowaliśmy się na mocną i nowoczesną ultramarynę, która nawiązywała do ważnej dla uczeni morskości i wprowadzała świeżość w logo. Istotna dla nas była także wersja negatywowa znaku – zdecydowaliśmy się na obrys w tarczy, zostawiając tym samym podobne odczucia estetyczne co do pozytywowej wersji sygnetu.

#Proj. dla int. publicznych 

Wcielenia

Martyna Rak

Projekt przestrzennej książki pop-up pt. „Wcielenia" jest częścią dyplomu magisterskiego pt. „Światło i cień jako medium tworzenia obrazu" zrealizowanego na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Rozwiązaniem tego zagadnienia jest wykorzystanie zjawiska światła i cienia w celu kreowania obrazu wykraczającego poza granice książki i wizualizowania treści metodami zaczerpniętymi z różnych dziedzin sztuki. TEMATYKA Projekt „Wcielenia” łączy w sobie dwa szerokie pojęcia społeczno-kulturowe. Są nimi cień i teatr. Powiązanie poetyki cienia ze sztuką teatru wynika z wyjątkowej plastyczności obu zjawisk, ich zmienności i swobody manipulowania obrazem. Teatr nie tylko wykorzystuje fizyczne właściwości światła i cienia do kształtowania obrazu scenicznego, ale również reprezentuje wszystko to, co wpływało na ludzi konkretnego okresu historycznego. Jest odbiciem konwencji obecnych w sztuce (scenografia, rekwizyty, lalki, maski), filozofii (rodzaj wystawianych sztuk) oraz psychologii (podejście do relacji aktor - widz, budowanie bohaterów, metody pracy aktorów). Tytuł to gra słowna − nawiązuje do teatru, który pozwala „wcielać” się w różne postaci i sytuacje, a tym samym zawiera w sobie słowo „cienia”, przez co wraz z zarysowanym kontekstem tworzy frazę „wcielenia cienia”. Książka „Wcielenia" ma charakter eksperymentalny. Zmiennymi dla doświadczenia są przestrzenne elementy książki, światło, ciało człowieka, ruch oraz powierzchnie ograniczające przestrzeń. Można je dowolnie zmieniać w celu uzyskania nowych wyników, a obserwację zastąpić kontemplacją. Trójwymiarowe elementy książki uzupełnione o treść zgłębiającą metafizyczne aspekty cienia, dają odpowiednie narzędzia twórcze, aby zainspirować, zbudować odpowiednią aurę i przygotować do samodzielnego eksperymentowania ze światem cieni. Zarówno treść książki, jak i techniczne możliwości jej wykorzystania oparte są na relacji podobieństwo - iluzja. Jej użytkowanie to zabawa w to, co jest rzeczywistym odwzorowaniem, a co abstrakcyjną modyfikacją życia, przestrzeni, czy postaci. W przypadku cienia, cecha podobieństwa do oryginału wynika z przynależności do konkretnej osoby lub przedmiotu. Za to iluzja jest konsekwencją swobody manipulowania wszystkimi parametrami, które tworzą to zjawisko. W rezultacie, w różnych warunkach świetlnych, użytkownik książki otrzymuje ruchome obrazy, które może na bieżąco modyfikować powodując zniekształcenia, deformacje i przeskalowania. Uświadomienie występowania wszystkich tych czynników daje nieograniczone możliwości tworzenia zupełnie nowych – niekonwencjonalnych i „żywych” obrazów z wykorzystaniem prostych i dostępnych dla każdego metod projekcji . „Wcielenia" to scenografia kształtowana na żywo, spektakl przeżywany z pełnym poczuciem chwili obecnej – „tu i teraz” – ze wszystkimi możliwymi konsekwencjami, próbami i pomyłkami. To inscenizacja teatru cieni, którą czytelnik może sam kształtować w skupieniu lub w większej grupie. To zabawa skalą, proporcjami i barwą wynikająca ze swobody kształtowania obrazu poprzez dobór ilości i rodzaju źródła światła, powierzchni pełniących rolę ekranu oraz ruchu. TREŚĆ Treść "Wcieleń" tworzą krótkie eseje zainspirowane metaforycznie pojmowanym pojęciem cienia zawartym w dziełach literackich, mitach, legendach, teoriach filozoficznych i psychologicznych, które dodatkowo zostały zinterpretowane przez autorkę w kontekście historii i oddziaływania teatru. Celem treści jest wprowadzenie czytelnika w świat cieni, zarysowanie jego symbolicznego znaczenia w kulturze Wschodu i Zachodu, a także wpływu na sposób „widzenia" rzeczywistości i jej odwzorowania za pomocą sztuki. Tworzenie „Wcieleń” było jednocześnie próbą zwizualizowania niejasnych i względnych pojęć takich jak rzeczywistość, aura, obecność, dusza, jaźń czy wartość. Przyjęta ulotna metoda cieniowych obrazów pozwala na oddanie ich wyjątkowego charakteru nieuchwytności i zmienności. Na każdy z siedmiu tematów przypadają dwie rozkładówki, z czego pierwsza (2d) jest graficznym wprowa¬dzeniem do kolejnej – rozkładanej (3d). Wybrane tematy to: 01. Odcienie rzeczywistości (interpretacja alegorii jaskini na podstawie dzieła Platona pt. „Państwo", Grecja, ok. 380 r p.n.e.) 02. Przechodnie półcienie (interpretacja cytatów Williama Shakespeare'a pochodzących z dramatów „Makbet”, „Jak wam się podoba”, Anglia, przełom XVI i XVII w.) 03. Dusza w obrysie (interpretacja „mitu o początkach malarstwa” Pliniusza Starszego, Rzym, I w n.e.) 04. Obecność / nieobecność (okoliczności powstania chińskiego teatru cieni na podstawie legendy o Cesarzu Wu, Chiny, II-I w. p.n.e.) 05. Lavater 2020 (interpretacja machiny do tworzenia sylwetek J. C.Lavater'a, II poł XIX w., Szwajcaria) 06. Przeoczenie (interpretacja archetypu Cienia wg koncepcji Carla Gustava Junga, prace badawcze i kształtowanie psychologii głębi ok. I poł XXw., Szwajcaria) 07. Morał – czarno na białym (interpretacja fragmentu „Historii cudownej Piotra Schlemihla” Ludolf Karl Adelbert von Chamisso, romantyzm, I poł. XIX w) GRAFICZNY ŚWIAT SYMBOLI W celu zwizualizowania abstrakcyjnych pojęć wynikających z metaforycznego aspektu cienia zawartego w wybranych przez autorkę źródłach literackich, został opracowany swoisty język symboli, który połączył tematykę cienia i teatru oraz pomógł zachować spójność wszystkich elementów projektu (drukowanych i wycinanych). Ze względu na różnorodność czasu, miejsca i okoliczności powstania poruszanych treści, symbole zostały oparte na podstawowych formach geometrycznych koła i kwadratu obecnych we wszystkich kulturach świata. Ich uniwersalność i prostota umożliwiła stworzenie siatek, które pomogły w zaprojektowaniu ornamentów i ażurów. Elastyczność symboli ze względu na skalę oraz łączenie w większe kompozycje, pozwoliły na oddanie indywidualnego charakteru właściwego dla każdego z siedmiu poruszanych tematów. KONSTRUKCJA • format B3, po rozłożeniu - B2, • zastosowane materiały: papier (eco crush z drobinkami kukurydzy 120g, 250g, czarny barwiony w masie), karton (biały, czarny barwiony w masie), kalka metaliczna, folia, kolorowe filtry do ref lektorów; • zastosowane techniki: druk, cięcie ploterem laserowym, pop-up – elementy unoszące się wraz z otwarciem strony; • książka klejona z otwartym grzbietem; • rozkładówki płaskie (2d) i formy przestrzenne (3d) ułożone naprzemiennie – rozkładówki 2d są zaproszeniem do świata trójwymiarowego, stanowią graficzną interpretację każdego tematu wprowadzając go m.in. poprzez ilustrację oraz krótki cytat dzieła literackiego lub myśli, na której oparty jest tekst i forma 3d;

#Świeża krew 

Zestaw do ceramiki – Ceramika dla laika

Marianna Pawłusiów

Zgłaszany przeze mnie projekt jest częścią mojego dyplomu magisterskiego na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Jest to zestaw do ceramiki dla początkujących składający się z książeczki zawierającej informacje niezbędne dla debiutujących, narzędzia oraz glinę. Zestaw zamknięty jest w kartonowym pudełku z banderolą w stylistyce książki. Pomysł na projekt zrodził się z potrzeby, którą zauważyłam w grupie swoich znajomych, poszukiwania nowych działań, mediów i sposobu kreacji. W czasie, kiedy uczęszczanie na zajęcia zbiorowe było utrudnione, zastanawiałam się w jaki sposób umożliwić ludziom zainteresowanym ceramiką zaczęcie z nią pracy. Zestaw umożliwia rozpoczęcie pracy samemu w domu. Zawiera książkę, narzędzia, drewniane listwy, glinę oraz tkaninę - czyli wszystko to, dzięki czemu wprowadzenie do pracy z gliną będzie łatwiejsze. Treści w książce oraz informacje w niej zawarte, napisane przez ceramiczkę z dwudziestopięcioletnim doświadczeniem, są ujęte w prostej i zwięzłej formie dostępnej dla laików. Książka zawiera podstawowe informacje na temat ceramiki oraz liczne instrukcje. Należy pamiętać, że treści w niej zawarte są jedynie początkiem do wejścia w świat ceramiki i nie zastąpią zajęć z instruktorem. Zestaw pilotażowo został udostępniony kilku osobom niemającym dotychczas doświadczeń z ceramiką i wzbudził ogromne zainteresowanie. Na jego podstawie udało się wytworzyć proste formy ceramiczne. Ilustracje w książce wykonane są przy użyciu różnych tekstur, które malowane były ręcznie i skanowane. Mają przypominać fakturę gliny oraz ukazywać jej różnorodność. Książka wydrukowana jest na papierze imitującym szamot zawarty w glinie. Kolorystyka utrzymana jest w ciepłych pastelowych barwach, przypominających sproszkowane niewypalone angoby i szkliwa, które w rzeczywistości dopiero po wypaleniu zmieniają kolorystykę. Za pomocą syntetycznych ilustracji, ukazujących etapy formowania ceramiki, przekazuję odbiorcy najważniejsze informacje. Krój pisma użyty na okładce oraz przy tytułach zaprojektowałam samodzielnie na potrzeby tej książki.

#Świeża krew 

Znikający dyktator

Bartosz Kosowski

Interaktywny portret przedstawiający wizerunek białoruskiego dyktatora, którego postać zmienia się wraz z osiąganiem kolejnych pułapów wpłat. Z każdą wpłacaną złotówką dyktator staje się coraz mniej groźny. W rzeczywistości Łukaszenka pozbawiony atrybutów władzy z groźnego dyktatora w mundurze i z orderami przeistacza się w smutnego, wąsatego pana w podkoszulce. Zebrane środki przeznaczone są na wsparcie ofiar aparatu represji wśród niezależnych białoruskich dziennikarzy oraz odbudowę bazy sprzętowej pierwszej niezależnej telewizji na Białorusi – Biełsat TV, która uległa zniszczeniu lub konfiskacie w czasie zatrzymań i rewizji.

#Impakt społeczny 

ŻYCIE OBRAZÓW

Renata Motyka

„Życie obrazów” to identyfikacja wizualna wystawy, prezentowanej na przełomie września i listopada 2020 roku w Fundacji Stefana Gierowskiego w Warszawie. Ekspozycja podejmowała problem ginącego dorobku malarstwa polskiego poprzez przesunięcie punktu ciężkości z prezentacji dorobku artystycznego artystów i artystek na kondycję samych obrazów i historie, które się za nimi kryją. Obrazy żyją po śmierci swoich autorów, podróżują, zmieniają właścicieli, są przepakowywane, opisywane, katalogowane, poszukiwane, odnajdywane, zestawiane, reinterpretowane czy konserwowane. Nie wszystkie mają tyle szczęścia, aby trafić do kanonu sztuki, muzeów, kolekcji, stać się pożądanymi na rynku sztuki czy ilustracjami w podręcznikach. Wystawa “Życie obrazów” śledziła różnorodne losy dzieł powojennych malarzy i malarek rozpoczynając dyskusję o utraconym dziedzictwie, mechanizmach zapominania, pamiętania i archiwizacji. Głównym celem było sprowokowanie do refleksji nad tym, co po artystach zostaje i jaki los czeka tę spuściznę. Jednocześnie było to wołanie o międzypokoleniową solidarność oraz podjęcie bezpośrednich działań w celu przedłużenia życia obrazów. Na elementy projektu identyfikacji składają się: – Katalog – plakat – zaproszenia – broszura z tekstem – broszura z biogramami artystów – banery web – identyfikacja w przestrzeni wystawienniczej Publikacja odpowiada na potrzebę katalogowania wystawy i dzieł sztuki, ale również uporządkowania jej oraz przedłużenia w materialnym i bardziej trwałym wymiarze. Jako istotny wysuwa się więc naprzód motyw pamięci i potrzeba jej zachowania. Identyfikacja wizualna opiera się na motywie obrazu – zniszczonego, starego, nadgryzionego zębem czasu dzieła sztuki. W projekcie występuje on jako lewitujący, zmieniający kształt, trójwymiarowy obiekt, który pojawia się zawsze na szarym neutralnym tle. Przywodzi na myśl obiekty, zapomniane dzieła sztuki, które przykryte szarym kurzem, spoczywają w ciemnej i szarej piwniczce. Obiekt zastępowany jest czasem jego samym obrysem, konturem, jako pewnego rodzaju wspomnieniem po obecności tego dzieła. Estetyka, w której utrzymana jest publikacja, jest rezultatem zaprojektowanej identyfikacji wizualnej. Ma ona korespondować z tematem wystawy będąc jej jednoczesnym formalnym przedłużeniem. Katalog zawiera dokumentację fotograficzną ekspozycji, reprodukcje obrazów oraz teksty. W projektowaniu istotna była nośność i klarowna ekspozycja treści przy jednoczesnym zachowaniu wrażeń i odczuć towarzyszących samej wystawie. Decyzja o prostocie i czystości projektu była naturalnym wyborem. Te dwa elementy nie zaburzają i nie odwracają uwagi od informacji zawartych w katalogu, a jednocześnie swą delikatnością i subtelnością nadają publikacji dynamiki i metafizycznego, refleksyjnego wymiaru. Dobór fontu, papieru oraz metody druku motywowany był chęcią podtrzymania dekoracyjności samego obiektu, tak by mógł on funkcjonować również w oderwaniu od niej i nadal reprezentować jej idee. Publikacja utrwala wydarzenie, artystów, artystki i ich dzieła uwzględnione na wystawie. Stanowi źródło informacji o problematyce podjętej na wystawie, a tym samym w pełni spełnia funkcję katalogu. Jednak co istotniejsze, dzięki wybranym środkom formalnym, sama staje się obiektem artystycznym, dosłownym i namacalnym aktem zachowania pamięci oraz przedłużeniem życia utraconych obrazów.Koncepcja i aranżacja wystawy: Aleksander Grzybek prezes Fundacji Stefana Gierowskiego: Łukasz Dybalski fotografia widoku z wystawy: Adam Gut.

#Idea 

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury, uzyskanych z dopłat ustanowionych w grach objętych monopolem państwa, zgodnie z art. 80 ust. 1 ustawy z dnia 19 listopada 2009 r. o grach hazardowych.

STGU

Partnerzy

STGU

European Design Awards

STGU

Arctic Paper

Munken Paper

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

Patroni medialni

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU

STGU